Charlie Wilson - Just Charlie (2010)

La capacidad del ser humano para superar dificultades parece no conocer límites. Mientras que en la década de los ochenta pudo disfrutar de años de éxito como miembro del legendario grupo de funk/soul The Gap Band, cuando esta racha triunfal se acabó cayó en una peligrosa espiral de alcoholismo, la drogadicción, miseria y la falta de vivienda.

Con la ayuda de las generaciones más jóvenes (Snoop Dogg, R.Kelly y T-Pain entre otros), el Sr.Wilson finalmente sobrio, recuperó finalmente su arrogancia y amor propio profesional para volver con fuerza con su aclamado primer trabajo en solitario Charlie, Last Name Wilson (2005), al que seguiría tres años después un segundo disco Uncle Charlie, en el que se incluía el tema nominado a los Grammy "There Goes My Baby" que no hace mucho recordábamos en este espacio. Sin embargo los desafíos aún no han abandonado su camino, así durante este año que expira aún ha tenido que lidiar con un cáncer de próstata y la muerte en el transcurso de un año de su padre y hermano... Aunque se cree que "demasiados cocineros estropean la sopa", lo cierto es que ha coproducido junto a un puñado de profesinales (Greg Pagani, The Insomniax, Wirlie "Optimas Pryme" Morris) un material que casi en su totalidad lleva su firma consiguiendo notables resutados finales. Su voz sigue en plena forma, suave y que nunca suena cursi o forzada aportando esas dosis de emoción tan característica en su timbre de voz. En definitiva repite la fórmula de los dos discos anteriores, ese rnb suave que tan bien funciona en sus manos. Charlie ha sabido reconvertir su sonido característico incorporando elementos más contemporáneos -sin ceder demasiado espacio a la electrónica- manteniendo la esencia de su figura como artista, un superviviente talentoso y tenaz ante un destino que le lanza continuamente dardos envenenados.

Funk'n'stein - Funky Mission (2010)

El mundo es cada vez más pequeño, el imparable proceso de globalización no sólo se entiende en clave económica, trasciende otros ámbitos, también el cultural y, en particular, el musical. En efecto, a pesar de tener su sede en Tel Aviv, esta banda israelí rememora con gran acierto aquel sonido orgánico soul-funk de los años setenta en su versión original: instrumentación en vivo, una completa sección de metales, guitarras rítmicas... sonido refrescante en un mundo moderno dominado por el frío sonido electrónico y una producción clínicamente perfecta.

El sello británico Soul Unsigned ha editado a finales de este año el álbum Funky Mission, que en realidad no es sino un recopilatorio de sus dos primeros álbumes The Band (2006) y The Next Level (2009) -de distribución únicamente local- con el que pretende rescatarlos del anonimato y dar a conocer a todo el mundo la interesante propuesta de esta formación de once músicos capaz de combinar sin aparente esfuerzo lo clásico con lo actual, temas más lentos con otros más festivaleros, en definitiva sonar según requiera la ocasión como Earth, Wind & Fire, Sly and The Family Stone o los propios Funkadelic.

The Transatlantics - The Transatlantics (2010)

¡Por fin! Fue lo primero que se vino a la cabeza cuando supe que esta banda australiana -otra más- publicaba su disco de debut homónimo editado por el sello británico Freestyle Records, si recordáis también responsable de la discografía de otro gran grupo de deep funk como son Speedometer. Formado en la ciudad de Adelaida en el año 2007 y compuesto por ocho miembros se había ganado con sus fantásticas sesiones en directo una merecida reputación especialmente en aquellos ambientes más inclinados hacia el soul y el groove.

Últimamente hemos asistido a un resurgimiento del sonido soul/funk, en especial con proyectos que tienen su sede en el continente europeo y en las antípodas. Musicasoul ha sido testigo de tal fenómeno recomendando la escucha de un buen número de grupos de este estilo a caballo entre The Bamboos, y Sharon Jones & The Dap Kings. La fórmula se repite una vez más, no resultan ni pretenden ser innovadores: incursionan en el gruñido rítmico del funk de James Brown y en la calidez el soul sureño de Aretha Franklin sirviéndonos enérgicas secciones rítmicas y de metales, grabaciones analógicas a la vieja usanza, solos de guitarra abrasadores y una voz femenina (en este caso Tara Lynch) con una exagerada capacidad pulmonar. The Transatlantics merecen todo nuestro crédito por su consistencia, calidad, pasión y entusiasmo contagioso. No será el mejor disco del año -el nivel compositivo es mejorable- pero si reúne un conjunto brillante y efectivo de temas que supone un prometedor debut.

R. Kelly - Love Letter (2010)

La portada del último trabajo de Robert Kelly no deja lugar a dudas: el uso del traje, pajarita, la cabeza echada hacia atrás en éxtasis y el tono sepia... todo sugiere la iconografía asociada al soul de los años sesenta. En efecto, Love Letter le devuelve a la música que oía en su casa mientras crecía al sur de Chicago antes de firmar su primer contrato discográfico, un homenaje a los héroes de su pasado, un tributo al sonido que amaba su difunta madre, su recorrido personal por la historia del soul.

Aunque el disco tiene un sonido decidida y convincentemente retro lo cierto es que los temas fueron escritos por el propio artista demostrando ser un compositor portentoso, un aventajado estudioso del rnb, grabando un disco que se puede considerar ya como un clásico. Es también la primera vez que suena casto, con alguna excepción como el tema "Taxi Cab" o la carnal “Just Can’t Get Enough” -al más puro estilo Marvin Gaye-, desaparece ese hombre que hasta ahora se nos ha mostrado obsesionado con el sexo para apostar por su faceta como soul-crooner, melodías desarrolladas y arreglos orquestales. Desde su debut ha sido aclamado como un visionario de la música, alguien que no sólo puede sacar provecho de las tendencias de la música actual sino que también es lo suficientemente influyente como para crear y sostener las nuevas tendencias. Así que lo hace realmente interesante su décimo álbum en solitario es que Robert Sylvester ha decidido mirar atrás -quizás para coger impulso- quien sabe si con la intención de trazar un nuevo camino para su futuro o simplemente ha pretendido abrir un paréntesis en su carrera musical.

Aunque no es perfecto -por momentos suena un tanto monótono y forzado- es una producción acertada, líricamente notable, sobresaliente en la composición y vocalmente eficaz. En los últimos años hemos sido testigos desesperados de cómo descendía a los infiernos (artísticos y personales) con una serie de trabajos en los que se difuminaban sus excelsas aptitudes compositoras, su gusto por la melodía, sus cuidados arreglos y el indudable talento vocal del sin duda el artista (compositor, arreglista, productor y cantante) de música negra más importante de los últimos 20 años. El genio ha vuelto... lo celebro.

El DeBarge - Second Chance (2010)

Para muchos puede que la vuelta de este artista con el trabajo Second Chance después de una ausencia de 16 años no tenga demasiada importancia. Quizá le recuerden por un par de cursis éxitos pop/rnb a mediados de la década de los ochenta. Habría que recordarles a los desmemoriados que este artista era temible en su momento por su apariencia y talento que rivalizaba con las superestrellas Michael Jackson o Prince.

Su carrera artística y vida personal descarriló a mediados de la década de los noventa en un descenso a los infiernos aparentemente sin retorno. Por eso, si eres un fanático del rnb de una edad comprendida entre los 30 y 50 años seguro que has estado esperando su vuelta a los escenarios de la misma manera que un niño espera la llegada de la Navidad. Sorprendentemente se le ve y suena tan bién como siempre, y lo dice alguien que está en esa franja de edad pero que en absoluto apuesta por el rnb/pop entre sus preferencias musicales. A pesar de las drogas (y al contrario de Withney Houston), su suave timbre de tenor sigue igual de bello, ese falsete acrobático -su seña de identidad- sigue presente y en plena forma, alcanzando como pocos las notas altas y brillando especialmente en la baladas, capaz de elevar el material cuando éste no tiene la suficiente calidad. Ha compartido su talento compositor y una acertada producción junto con nombres de la talla de Babyface o Jimmy Jam & Terry Lewis para componer un regreso triunfal gracias a un material adecuado y en el que sólo encuentro fuera de lugar algunas incursiones en el rnb contemporáneo como las colaboraciones de 50 Cent o Fabolous. Teniendo en cuenta todo los antecedentes el simple hecho de que este disco exista es todo un triunfo, nos ha demostrado que se merece una segunda oportunidad y esperemos que sepa aprovecharla tanto a nivel artístico como personal.

Anthony David - The Setup (2010)

Los últimos días los medios de comunicación norteamericanos se han hecho eco de distintas noticias relacionadas con este gran cantante/compositor de neosoul. Por un lado, el hecho menor -pero de gran interés para el público- de que las canciones del artista de Georgia ocupen una parte de la memoria del ipod del matrimonio Obama. Por otro lado, la noticia de que el pasado 23 de noviembre se puso a la venta en iTunes The Setup, un EP en directo que sirve de antesala para el lanzamiento de su nuevo disco As Above, So Below previsiblemente el próximo mes de febrero.

Aprovechando una actuación en vivo que el artista dió en Sambuca Jazz Cafe (Atlanta) su nuevo sello Purpose Records nos ofrece siete temas -cuatro nuevas canciones, dos temas antiguos y una versión- como aperitivo de bienvenida hasta que el citado disco sea definitivamente puesto a la venta, circunstancia que se esperaba para el pasado mes de noviembre. Una visión nueva del artista, dos guitarras, un pequeño repaldo en la percusión y su voz, una energía diferente y más natural. Ahora bien, si el anodino single "Let me In" es un fiel adelanto de lo que no espera en su próximo trabajo, no puedo sino lamentar que un tesoro escondido durante tanto tiempo bajo la tierra de la música independiente, ahora que ya es famoso y recibe la luz del día se pueda marchitar de manera gratuita. No obstante, no adelantemos acontecimientos, habrá que esperar al resto del trabajo.

Chrisette Michele - Let Freedom Reign (2010)

No me gusta presumir de lo que carezco, pero os confieso que cuando he escuchado el último trabajo de esta artista me ha venido a la memoria algunas palabras premonitorias que sobre su anterior disco Epiphany (2009) escribí en este espacio y que creo tiene el mismo sentido aplicadas a su último trabajo Let Freedom Reign:

"... creo que la búsqueda de un mayor atractivo comercial es un error estratégico por el que además difícilmente obtendrá la respuesta esperada atendiendo a la tipología actual del comprador de discos rnb. Es una verdadera pena porque [...] estamos ante una de las alumnas más aventajadas del nuevo sonido rnb con reminiscencias de la vieja escuela".

En efecto Chrisette ha vuelto bajo la producción de nuevo de Chuck Harmony y siendo autora o coautora de la mayoría de canciones (entre los que figura la presencia de Ne-Yo). Es su trabajo más enérgico hasta el momento, con ese anodino sonido rnb contemporáneo uptempo (incluso rapea) restando presencia a las baladas, precisamente donde esta neoyorkina mejor funcionaba con esa voz de soprano angustiada y contundente que por momentos se asemeja a la de una joven, valiente y menos estridente Patti LaBelle, tal y como demostró en sus dos primeros discos. En mi opinión otro paso atrás en la carrera de esta gran vocalista, una huída hacia adelante que no conduce a ningún sitio. ¿Algo de lo que lamentarse o simplemente una prueba más de que me estoy haciendo muy mayor?

Eric Benét - Lost In Time (2010)

En su último álbum, Lost in Time, el artista de Wisconsin nos propone un viaje en su particular máquina del tiempo musical con destino al sonido soul de la década de los años setenta, versioneando aquellos temas con los que creció y que se muestran tan influyentes en su trayectoria artística . Mientras que en las manos de un artista menor, este ejercicio de nostalgia puede acabar mal, muy mal, con el timón en las manos de Eric la singladura se muestra seguro digna del intento.

La producción ha apostado por un sonido elegante, más orgánico que se sitúa en la frontera entre la vieja escuela y lo más contemporáneo. Es difícil ignorar el innegable talento vocal de este artista que se mueve con habilidad y capacidad tanto en baladas como en temas de mayor ritmo y que demuestra de nuevo en este trabajo en todo su esplendor. Un elemento novedoso de este disco es el gran número de colaboraciones vocales con las que ha querido rodearse, todas ellas ilustres (Ledisi, Faith Evans, Eddie Levert o Chrisette Michele) -incluída su propia hija- y es que siempre es grato encontrarse en buena compañía. Lost In Time proporciona a sus fieles exactamente lo que esperan: elegancia, delicadeza, sofistificación y sensualidad. En definitiva, un disco que agradablemente brilla en la superficie, por encima de la media del rnb de hoy en día, pero que quizás no soporte análisis más profundos.

Pam Feather - Feather Tales (2010)

Como ya sabéis, en los últimos años el mercado holandés se ha convertido en cuna de un gran número de artistas -muchos de los cuales ya han desfilado por este espacio- que, en general, se caracterizan por proponernos una suave mezcla de pop y soul (o como ella misma denomina SOP), inofensivo, siempre agradable para los oídos y sin mayores pretensiones. Una de las últimas artistas salidas de esta "factoría" es Pam Feather quien nos presentó su disco de debut Feather Tales en el mes de abril de este año bajo el sello Artistik Records.

Esta cantante/compositora nacida en Rotterdam es conocida en su país por ese característico sonido deudor del soul de los sesenta que apuesta por estructuras simples y melodías pegadizas al tiempo que se muestra vivaz y llena de energía en sus actuaciones en directo. Autodidacta de la guitarra porque carecía de recursos económicos para pagarse una formación musical logró superar una infancia difícil apoyada en la figura de su abuela (a la que dedica la emotiva canción "Grandma" en el disco) y en el el efecto balsámico y escapista que procura a menudo la música. Una joven mujer que se las arregla para poner una sonrisa en la cara de todos los que se detienen a escuchar sus canciones. Os dejo con su último single "You", si os interesa podéis visualizar dos temas más en la sección de videos del blog.

Charlie Wilson - There Goes My Baby (2009)

Durante el pasado mes de agosto estando de vacaciones llegaba a mis oídos la noticia de la prematura muerte de Robert Wilson (53 años) víctima de un ataque al corazón. Miembro del famoso grupo The Gap-Band y apodado en el mundillo como The Godfather of Bass Guitar no tuvo el brillo ni el carisma de otros bajistas como Larry Graham o Bootsy Collins, pero su legado fue también enorme en el universo del funky de los años 70.

"Busqué un sonido que fuera suave, pero que tuviera el empuje suficiente como para sacar a todo el mundo a bailar" decía Robert. Yo hacía que entrara el sonido grave, el bajo, y luego Charlie me seguía. Ponía sus agudos y graves, pero básicamente me seguía". Estos días, Charlie aún estará llorando la muerte de su hermano, pero tiene fuerzas para editar su nuevo trabajo Just Charlie, así que he pensado que era un buen momento para rendirle homenaje desde esta humilde bitácora. Para ello he decidido recordar este magnífico tema que Charlie incluyó en su anterior trabajo y por el que fue nominado en la última edición de los premios Grammy demostrando que aún se puede hacer rnb con sentido y estilo. There Goes Robert... In Memoriam.

The Isley Brothers - My Love Is Your Love (1967)

¿Quién puede resistirse a cosas como ésta? Yo no, desde luego. Sólo hay que escuchar esos suntuosos primeros acordes, de ritmo tan contagioso, magistralmente dominados por esos bellos arreglos de cuerda, y ese lastimoso y tierno aullido que nos deja el gran Ronald Isley, para darnos cuenta que estamos ante algo grande, muy grande. Perdona, pero déjame que lo diga muy alto. Este "My love is your love" que los Isley Brothers grabaron para Motown en pleno 1967 ¡es una auténtica maravilla! ¡ Algo realmente fascinante !

¿Cómo es posible que esta gozada quedara casi oculta en ese oscuro disco de descartes titulado Tamla Motown Presents The Isley Brothers, que Motown lanzó al mercado una vez que la banda dejó el sello de Gordy a finales de 1967? ¿Cómo es posible que ese fantástico vocalista llamado Ronald Isley no esté en boca de todo el mundo como uno de los más grandes y excitantes cantantes de soul? Seguro que después de escuchar esta joya te surgen dudas parecidas, porque en este "My love is your love" resplandece con una violencia casi dañiña la más pura esencia del sonido Motown, ya que es un soberbio ejercicio del soul más elegante, y vivaz, pletórico de emoción. Un tema que firman a medias dos monstruos sagrados del sello, Ivy Jo Hunter y Stevie Wonder, que fue grabado en Agosto de 1967, y que sin duda está a la altura de esas dos gemas imprescindibles del sonido Motown, grabadas previamente por los Isley Brothers, como This Old Heart of Mine o I Guess I'll Always Love You, y que he descubierto gracias a esas fantástica recopilación denominada Tamla Motown Connoisseurs, muy en la línea de la ya comentada A cellar full of Motown! No sé, pero creo que definitivamente uno de los más grandes misterios de la música soul es el poco partido que el señor Berry Gordy y su sello, Motown, supieron sacar a una banda tan genial y excitante como los Isley Brothers.

Esta magnífica review lleva la firma de mr_pleasant y se corresponde con un post que publicó hace un tiempo en su estupendo y recomendable blog Sensaciones Sonoras. Poco me queda por añadir puesto que comparto su opinión y no sería capaz de expresarme mejor, es una de mis canciones favoritas de siempre que habré escuchado cientos de veces. Siempre un placer leerte mr_pleasant.

Soul Talk - Soul Talk (2010)

Soul Talk es un grupo británico de nuevo cuño aunque lo cierto es que sus integrantes exhiben una dilatada trayectoria profesional. Después de haber trabajado durante muchos años con algunos de los músicos más importantes del mundo (Chaka Khan, Candi Staton, Prince, Michael Jackson o Michael McDonald entre otros), decidieron unirse y producir su propio proyecto. Es un trío integrado por el vocalista Gary Poole, Toby Baker (teclados, guitarra y bajo), finalmente el tercer componente es Ernie McKone (batería, bajo y guitarra).

Su álbum de debut homónimo es un disco blue-eyed soul vibrante, alegre y positivo, con letras inteligentes que actúan como un resorte a su paso y te dibujan una sonrisa en la cara. Con unos arreglos musicales deudores de la década de los setenta y que en los teclados tanto nos recuerda al brillo característico de los primeros años de la década de los ochenta, nos proponen un sonido ecléctico que se mueve a medio camino entre el pop/rock, el funk, el rnb, el soul e incluso el jazz... por momentos parece asomarse el sonido del legendario grupo Tower Of The Power.

Ann Nesby - I Apologize (2007)

Por este tema, que representa una oración reflexiva y ardiente, la fabulosa vocalista de Illinois Ann Nesby estuvo nominada a los premios grammy en el año 2008. No era la primera vez, anteriormente lo estuvo por "Put It On Paper", un dueto junto al fabuloso Al Green. No hay muchos cantantes que pueden presumir de haber asumido tamaño desafío y hayan sobrevivido para contarlo. Conocida por prestar su voz al grupo de gospel Sounds Of Blackness, esta dama ha trabajado con afamados productores y ha escrito temas para cantantes como Patti Labelle o Gladys Knight iniciando su carrera en solitario a mediados de la década de los noventa.

Es sin duda, una de las mejores cantantes del mundo, su estilo espiritual a medio camino entre el soul y el gospel y su timbre de voz inevitablemente nos recuerda a la gran Aretha Franklin. Nos regaló en esta ocasión con un trabajo clásico al tiempo que contemporáneo. Una experiencia espiritual profunda a través de sus composiciones, su innata elegancia, su riqueza emocional y su excepcional voz. Ella sigue creando música de calidad, una experiencia catártica de alegría de principio a fin para nuestros afortunados oídos.

Shaolin Temple Defenders - Take It slow (2010)

Detrás de este curioso nombre se esconde un grupo francés (Burdeos) que, aunque abiertos a las influencias culturales más contemporáneas, se muestran seducidos por el sonido soul/funk de la década de los sesenta y setenta que personalmente tantos buenos ratos me hace disfrutar. Acaban de editar, bajo el sello SoulBeats Records, su tercer trabajo bajo el título de Take It Slow. Con este nuevo disco, renuevan sus votos para continuar erigiéndose en defensores del templo del soul/funk a este lado del Atlántico, particularmente desde Francia, sin duda el mercado europeo más dinámico y de mayor interés en los últimos años.

El conjunto apuesta por el ritmo, con una eficaz sección de metales, un incendiario órgano Hammond, apoyado en la voz conmovedora del León de Burdeos - un cantante con un sonido que nos remonta a las grandes voces de los años 60's y 70's y al gran guitarrista Pierre Petit. Según cuentan, la elección de tal título no es casual, sino que pretende ser reflejo de su descontento por el ritmo actual de vida a que nos aboca la tecnología y su apuesta por un ritmo más pausado y natural. Sin embargo se me antoja difícil tomar las cosas con calma teniendo en cuenta que estos tipos sacuden nuestro cuerpo y alma con ese ritmo e intensidad propias del sonido deep funk. Suenan realmente bien.

Donnie - If I Were You (2007)

Cuando escuché por primera vez a este artista en su álbum de debut The Colored Section (2003), de inmediato comprendí que había encontrado a alguien especial. ¿Un genio? No sé si da para tanto, pero ciertamente la calidad de su trabajo reflejaba un talento fuera de lo común. Era una promesa o proyecto que recordaba en aquellos duros momentos a los fans del soul de siempre que había razones para la esperanza.

En su segundo álbum The Daily News dió toda una lección de crítica y activismo social afrontando cuestiones como el sexismo, el racismo, la homofobia, el abuso de menores o incluso el suicidio sin caer en el fácil discurso demagógico o en el simple sermón agrio y visceral. Por el contrario, logró construir un mensaje edificante, optimista (quizás en exceso) e incluso bailable a base de ritmos funky. Todo ello envuelto en maravillosas melodías rnb y soul de la vieja escuela acompañadas por el fervor gospel en su timbre de voz. Sin duda un artista diferente, alejado de lo comercial para rescatar aquel compromiso social que exhibieran artistas de la talla de Marvin Gaye, Curtis Mayfield, Sly Stone y, en su caso, especialmente Stevie Wonder.

Ray Charles - The Undiscovered Masters (2010)

El pasado 26 de octubre Concords Records puso a la venta este disco, que como su propio nombre nos avanza, recupera temas inéditos de este verdadero genio de la música aprovechando que hubiera cumplido ochenta años el pasado mes de setiembre. Aunque los temas fueron grabados originalmente a lo largo de cuatro décadas diferentes, el álbum fluye sin problemas y se muestra coherente gracias a la magnífica labor de producción y a un grupo de músicos de primer nivel. Diez canciones, cuarenta minutos de un sonido impecable que abarca los géneros de rnb, soul, pop, jazz, country (un dueto con el gran Johnny Cash) o gospel tal y como la visión ecléctica de la música de Charles hizo en vida tantas veces.

En efecto, la producción se enfrentó con el problema de que en algunos casos los temas estaban inacabados, por lo que se debía decidir qué hubiera hecho Ray Charles en su caso, cabía la posibilidad de que la intrusión de los productores arruinaran el resultado final. Por suerte, este proyecto fue supervisado por John Burk, co-productor del último álbum de estudio de Charles, Genius Loves Company (2004), abordaron la cuestión con el máximo respeto por el material. Nada suena fuera de lugar, de hecho, resulta imposible intuir qué elementos se han añadido recientemente. No hay ningún problema en imaginar el fallecido cantante meciéndose hacia adelante y hacia atrás en el piano mientras nos embarga la emoción cuando interpreta estos temas con aquella intensidad que sólo él era capaz de transmitir. Él es uno de mis artistas preferidos de siempre. Estoy seguro de que hablo en nombre de muchos cuando afirmo que sólo espero que aún haya disponible más material inédito almacenado en los RPM Internacional Studios en Los Ángeles para que podamos degustar una segunda entrega. Ray Charles hubiera cumplido 80 años el 23 de septiembre, su música sigue viva, más aún con esta colección.

Hezekiah Walker & LFCC - I'll Make It (2007)

Conocido como "The Father of Gospel Hip-Hop", este neoyorkino ha compaginado desde el principio su carrera musical con su faceta como pastor -donde ha llegado a las más altas cotas-, ha escrito un libro, tiene su propio radio show gospel e incluso ha tenido tiempo para licenciarse en sociología. Aunque más centrado en su labor pastoral, lo cierto es que en el terreno estrictamente musical se le reconoce por la pasión que vierte en cada interpretación y por haber conseguido el grammy al mejor álbum gospel hasta en dos ocasiones.

"I'll Make It" es un temazo que fue originalmente grabado en 1987 y que supuso su debut en el mundo de la música. Os lo traigo aquí porque creo reúne gran parte de las virtudes que mis sentidos anhelan en una canción del género gospel: ritmo, intensidad, sentimientos a flor de piel y la armonía vocal que sugiere la improvisación del solista y la respuesta del coro (en esta canción Love Fellowship Crusade Choir) ... puro éxtasis sensorial. No es necesaria fe o creencia alguna, sólo dejarse llevar por ese ritmo y pasión que rebosan por todos los poros en esta canción. Y es que hay que ver cómo se lo pasaban -y pasan- en las iglesias del sur de Estados Unidos durante los oficios religiosos.

Tamika "love" Jones - Dumb Love (2010)

Casualidades de la vida, Tamika inició su carrera artística gracias a un amigo que conocía a un famoso productor. Hasta ese momento era una joven tímida que residía en un gueto al noroeste de Washington D.C.. Ahora puede abrazar ya su segundo trabajo, un EP de siete temas que se lanzará el próximo 1 de diciembre... ¿Quién es ese productor? Nada menos que Chucky Thompson, quien ha prestado su talento desde hace más de quince años a artistas como Mary J. Blige, Faith Evans, Brian McKnight, Ledisi, Leela James, Mariah Carey, etc.

Esta es otra historia en la que la música funciona como vía de escape a una dura realidad de drogas, violencia y pobreza. Según cuentan, ese amigo de la infancia la convenció para que hiciera una prueba con el productor sabedor del potencial de su voz desde que ella cantaba en clase con sólo once años. Así que hizo acopio de todo su valor y funcionó. A partir de ese momento Chucky se hizo mentor de la artista procurando durante años asesoramiento y orientación sobre la composición, grabación y entrenamiento vocal. Rodeada de artistas de éxito comenzó a buscar su propio sonido y un lugar bajo el sol en el negocio de la música. Encontró que sus mayores influencias eran el gospel, el jazz y el hip hop que ha sabido integrar para lanzar un mensaje positivo lleno de esperanza a través de sus sinceras letras y encantadoras melodías.

Clásicos del Soul - Soul Train

Soul Train fue mucho más que un programa musical de televisión. Desde su primaria emisión el 17 de Agosto de 1970 a nivel local en Chicago, tuvo una profunda repercusión a nivel político y social que trascendía la simple presentación de cantantes y canciones, ya que por primera vez los adolescentes afroamericanos podían identificarse y tener un sentimiento de pertenencia a una misma comunidad a través de este poderoso medio de comunicación. Posteriormente, cuando la serie se emitió a nivel nacional, también de la mano del pionero productor/presentador Don Cornelius pero ya con sede en Los Ángeles (en los estudios KTTV) su popularidad e influencia cultural sobre los espectadores se hicieron imparables a través de todo el país, convirtiendo a su presentador en toda una celebridad. La era Hollywood había comenzado, la imagen era fundamental. El show siempre comenzaba con unas secuencias animadas en las que aparecía el famoso tren, que también hacía presencia durante la emisión del programa entre una actuación musical y otra a modo de cortinilla. Los famosos bailarines que aparecen en los programas acompañando la actuación del artista de turno debían superar un proceso de selección previo. Era tal su repercusión que se convirtieron en leyendas del streetdance, creando modas y estilos, prohibiéndoles a menudo la productora que participasen en otros programas de televisión.

Don Cornelius fue otro icono del programa, ejerciendo de perfecto anfitrión hasta 1993. Su porte y altura, su voz profunda y su pelo afro ejemplificaban como pocos el incipiente éxito de los movimientos sociales en favor de los derechos de la comunidad negra en la década de los sesenta. Por primera vez, la nación fue capaz de mirar cara a cara un espectáculo que recreaba la típica escena de un dance-club, una fiesta al más puro estilo afro. Pero, en realidad era algo más que una "fiesta", su influencia y concepción iba más allá del baile y la moda. Los artistas eran entrevistados y preguntados no sólo por cuestiones musicales sino también por los problemas de índole social o cultural. Así, cuando James Brown reinvindicó la necesidad de mejorar el acceso de los afroamericanos a la educación universitaria, terminó su show con la incendiaria canción "Say it Loud I’m Black and I’m Proud" y cuando el programa se despedía el propio Don Cornelius levantó su puño en símbolo de la unidad y orgullo negro (ver video aquí)... el mundo ya sabía que éste no era sólo un espectáculo intrascendente sobre música, pasos de baile y moda en el vestir. Después de 35 años de emisión ininterrumpida -todo un récord- y de más de 1.100 programas, la producción de nuevos episodios fue suspendida indefinidamente al finalizar la temporada 2005-2006. No encuentro mejor manera de acabar el post que con la misma famosa frase que utilizaban en el propio show para despedirse "…We wish you love, peace… and SOUL!”

Preston Glass - Colors Of Life (2010)

Preston Glass es algo así como un hombre orquesta: compositor, magnífico músico (teclados, programación de bajo y batería), veterano productor y vocalista. En particular, destaca su faceta como productor de rnb durante la década de los ochenta a la sombra de Narada Michael Walden. No obstante nadie discute hoy el hecho de que este artista con base en California tiene su propio espacio ganado a pulso, ya que es titular de un currículum impresionante de distintas colaboraciones: Natalie Cole, Aretha Franklin, Whitney Houston, Lionel Richie, Diana Ross, Earth, Wind & Fire; autor de 30 temas Top 10 en las listas de rnb, profesor de música en la UCLA... ¿Sigo?

Colors Of Life es su tercer trabajo, un disco de modern soul editado por el sello británico Expansion Records que se nos muestra dulce e íntimo, cascadas de groove que nos garantizan momentos de profundas emociones. En esta ocasión combina su habilidad para la producción/composición dejándose acompañar de una amplia gama de amigos invitados para la ocasión como Kenny Burke, George Benson, Ron Tyson (The Temptations), Eddie Levert (The O'Jays), Sharon McMahan & Laundon Kendricks, Trizonna McClendon, entre otros ilustres nombres. Una producción con claro sabor a los ochenta, elegante, ecléctica y sofisticada pero con influencias musicales reconocidas de James Brown, Neil Diamond o Carole King.

The Dymanites feat Charles Walker - If I Had Known (2009)

Este grupo retrosoul de Nashville -como sabéis la ciudad del country- fue fundado y liderado por Bill Elder (aka Leo Black) precisamente como banda de acompañamiento para Charles "Wigg" Walker, un veterano cantante con un estilo más próximo al blues. Burn It Down fue el título elegido para su segundo disco, en esta ocasión contando con la colaboración estelar del propio Charles.

Esta colaboración tiene dos cosas a su favor. La primera es que su líder ha sido capaz de escribir nuevo y estupendo material impregnado de la gloriosa tradición y épica del soul/funk de la década de los sesenta y setenta. A ello debemos añadir que Charles, es un veterano de 65 años curtido en mil batallas, al fin de al cabo él mismo actuó como telonero de James Brown o Wilson Pickett, cuyas influencias son más que evidentes en el disco. Corren tiempos difíciles y podríamos estar quejándonos hasta el fin del mundo, pero aquí están ellos para recordarnos que cada día sale el sol y que el deep funk es capaz de exorcizar toda esa negatividad.


Conya Doss - Blü Transition (2010)

Podemos afirmar que con un notable rango vocal crujiente y refrescante al mismo tiempo, acompañada de una escasa pero hermosa instrumentación, esta artista de Cleveland ha encontrado su razón de ser en la simplicidad. Su quinto álbum -que toma el nombre de su hijo recién nacido Blü- es un trabajo ungido de emociones, algo así como un intercambio de energía que refleja con crudeza en sus letras la dualidad entre el triunfo (el nacimiento) y la tragedia (la muerte).

Sumergida en un ambiente blues-jazz, con ciertos matices espirituales que nos evoca a la década de los setenta, Conya nos regala una impresionante variedad de estilos vocales. Desde el falsete hasta el barítono bajo, cada nota que sale de sus labios libera un tono puro que abruma y conmueve el sentimiento de los oyentes. Considerada la reina del indie soul, Conya Doss, posee ese halo que adornaba las divas del soul antaño, una elegante voz que se muestra cómoda tanto en el lascivo rnb como en el espiritualismo del gospel. Ella es, en mi opinión, la definición misma de lo que es un verdadero artista independiente. Una cantante de soul real, que se ha mantenido fiel y coherente durante toda su carrera, una hermosa dama que vierte su corazón en la música que ofrece. Aún reconociendo que el trabajo rebosa calidad os confieso que su propuesta por alguna razón no me acaba de llenar, es como si hubiera una barrera invisible entre su música y mi caprichosa alma.

Etta James - At Last (1961)

Pocas cantantes han sufrido episodios tan trágicos en su vida y han sido capaces no sólo de sobrevivir sino también de contarlos en una autobiografía, incluyendo su adicción a las drogas y otros detalles sórdidos. Recientemente Beyonce encarnó su personaje en la película Cadillac Record (2008) e hizo una versión de este tema que podéis ver en una curiosa interpretación en la sección de videos del blog. Sus problemas personales rara vez han afectado a su extraordinario talento como vocalista, una diva capaz de cantar en diferentes géneros pero siempre transmitiendo al oyente emoción, ya sea pasión o dolor. En la actualidad se encuentra enferma de Alzheimer pero su legado siempre estará ahí para disfrute de generaciones.

Cualquier aficionado a la música soul recuerda grandes temas  de esta diva como "Tell Mama" (1967). Yo he preferido recordar este clásico compuesto por Mack Gordon/Harry Warren y que triunfó tanto en las listas de rnb como de pop de aquella época. Fue su primera grabación con el sello Chess Records de Chicago y el retorno a los escenarios tras pasar cinco años en el limbo después de haber obtenido sus primeros éxitos "Dance With Me, Henry" y "Good Rocking Daddy". Leonard Chess entendió a Etta como una cantante clásica de baladas e hizo que la acompañasen estos maravillosos arreglos de cuerda. No se a vosotros, pero a mi me recorre un escalofrío por todo el cuerpo cada vez que oigo esta maravillosa canción y su magnífica voz. Inolvidable.

Kings Go Forth - The Outsiders Are Back (2010)

En un momento en el que el recurso al revival ha estimulado la presencia del soul en la industria de la música, en el que pseudoartistas sonámbulos y perezosos se limitan a rememorar viejos tiempos a través de manidas rutinas. En una etapa de la vida donde la mayoría de los músicos renuncian a sus sueños musicales para pagar la hipoteca y fundar su propia familia, estos tipos de Kings Go Forth han tenido la suficiente capacidad y agallas para emprender una nueva hoja de ruta, para crear algo nuevo a partir de lo añejo.

Tomado prestado de una famosa película homónima interpretada por Frank Sinatra y Tony Curtis en 1958 añadan este nuevo nombre a su listado de grandes artistas. Esta banda de Wilwaukee integrada por diez componentes fue fundada tras un encuentro casual en una tienda de discos por el vocalista Black Wolf y el bajista Andy Noble. El pasado mes de abril editaron su disco de debut bajo el sello Luaka Bop. Una maravilla. Aunque recoge temas ya editados por el grupo como singles en el año 2007, lo cierto es que resulta coherente y consistente. En lugar de una colección de partes que no se corresponden, parece un trabajo único y con sentido. Su sonido sacudió mi alma como un terremoto, parecían la pura reencarnación del gran Curtis Mayfield. Desde una sólida base, sus ritmos funky complejos impulsan con fuerza las canciones, canciones con garra, con una potente sección de metales y cuerda culminándolo todo con las insistentes voces de Black Wolf, Dan Fernandez y Matt Norberg quienes sin tener la presencia y la personalidad de, por ejemplo, Sharon Jones, lo compensan con su espíritu y sentimiento. Aunque todos los cortes rayan a buen nivel, es en los temas up-tempo donde el disco literalmente se sale.

Con un conjunto formado por tres vocalistas, además de una sección rítmica completa e integrados por una amplia gama de edades y etnias, este grupo aunque se basa gran parte de su inspiración en el rnb de los años sesenta (Chicago) y 70 (Philadelphia), es capaz de crear su propio sonido. En realidad estamos ante una banda anclada firmemente en el presente y con los ojos mirando hacia el futuro que nos brinda un funky/soul absolutamente canalla, estrepitoso, feliz y brillante.

Olivier Daysoul - Labor (2010)

El pasado 15 de octubre se editó el EP The Mr. Saint Louis de la mano del productor/compositor Odisee para este crooner/compositor con sede en Washington. El trabajo lleva la marca de agua de este prolífico productor en el que nos presenta a este artista que parece pretender hace honor a su apellido sirviéndose de su sex-appeal y su suave timbre de voz.

Olivier es un trotamundos, un infatigable viajero (habrá dado la vuelta al mundo un par de veces) conocido por sus colaboraciones con Hudson Mohawke, un artista que nos viene proponiendo fantásticos viajes intergalácticos instrumentales, herederos del funk psicodélico de los años setenta. En su anterior trabajo Kilawatt (2008) apostó por el electro neo-soul, sin duda marcado por el propio Mohawke y el hip-hop/rap que marcó su adolescencia. Sin embargo, con su nuevo EP se inclina por un soul más retro, definitivamente más agradable que su álbum anterior. Libre de cualquier atadura o etiqueta, sus viajes por todo el planeta han abierto su mente a toda nueva experiencia apostando por la innovación en cada nuevo trabajo aún cuando este último sea su entrega más convencional hasta la fecha.


Lizz Wright - Fellowship (2010)

Dos años después de Orchard (2008), aquel magnífico trabajo todo explosión creativa, el sello Verve Forecast ha editado Fellowship, ya su cuarta entrega. Incluye un total de doce temas (incluyendo versiones y algunos temas originales) de clara inspiración gospel y que cuenta con la colaboración entre otros de artistas de la talla de Angelique Kidjo o Me’Shell N’Degeocello.

En efecto, nos propone escuchar una serie de versiones de temas gospel tradicionales con los que la artista de Georgia creció en la iglesia, así como otros temas de corte espiritual originales de Eric Clapton o Jimmy Hendrix. Continúa la colaboración con Reagon Toshi, que desarrolla labores de coproducción, y que en el anterior disco añadió responsabilidades en la composición. A diferencia de sus trabajos anteriores, más jazz/soul -que recordaba al estilo Oleta Adams o Jill Scott- en esta ocasión ha apostado por la influencia más espiritual del gospel. Su mayor activo es la maravillosa voz que la adorna: Ese contralto maravillosamente suave, flexible y potente. Lizz Wright es un alma pensativa, sensible que nos abruma con su ardiente y sensual voz, una de esas artistas versátiles que se resiste a ser etiquetada en un determinado género o estilo, una de esas vocalistas con las que te tropiezas un dia casualmente y te enamoras al instante para siempre.

Sharon Jones & The Dap-Kings - Game Gets Old: The Trilogy (2010)


 Cualquier excusa es buena para traer a este espacio a uno de mis grupos preferidos. En esta ocasión ha sido la edición de un cortometraje por parte del director Philip Di Fiore. Concretamente se trata de un video dividido en tres partes que toma el nombre de uno de los temas incluidos en el último trabajo del grupo y que pretende rendir homenaje a aquella década de los setenta de la mano de la música y de una cuidada imagen. En efecto, se apuesta por un estilo visual que recuerda a las portadas de los discos del famoso sello Blue Note o a escenas de las películas tipo blaxpoitation entre un número musical y otro. Se ha cuidado hasta el último detalle puesto que el fotógrafo Christopher J. Lytwyn ha utilizado película de 35 mm y una lente anamórfica de 1964 para lograr ese efecto Panavisión. Cuenta además entre otros con el cameo del gran Lee Fields.

De la banda sonora se ocupa Sharon y su grupo con temas de su último álbum. Poco más tengo que decir que no os haya expresado en anteriores post dedicados al grupo. Así que he optado por citarme a mi mismo: "A diferencia de algunos de los "renovadores", en un mercado que empieza a estar saturado últimamente, Sharon ha estado ahí desde hace tres décadas. Es una vocalista portentosa aunque sin gancho físico mediático que después de estar años y años cantando, le llegó por fin el éxito con el fantástico 100 Days, 100 Nights (2007). La entrega de la artista y su empatía total con su banda se ajusta a la perfección a las normas del género, sin salirse un milímetro, elevando a la condición de clásico cada melodía. Estamos ante un trabajo de pureza inaudita, perfeccionando ese sonido vintage aún más con cada nuevo disco". En fin, este Game Gets Old: The Trilogy es una obra de arte se mire por donde se mire.

Nathan Watson - Reach Out (You Got A Friend) (2010)

Nathan Watson se ha convertido en la nueva sensación de la escena londinense por su ecléctico y fresco sonido pop que se inspira en el funk/soul de siempre con las dosis necesarias para poder ser consumido por una mayoría del público. Sus numerosas actuaciones en directo y sus apariciones en televisión han sido el caldo de cultivo para su impresionante legion de fans que le ha permitido, finalmente, editar el primer trabajo en el sello Strawberry Moon Records.

En efecto, el pasado 20 de setiembre de la mano del productor Steve Salvari presentó este single, como adelanto de su próximo larga duración Student Of Life, que augura un futuro prometedor en el que la música (y Steve) llegó al rescate de una vida llena de problemas en malas compañías... Curiosamente, ahora Nathan se ha convertido en un modelo a seguir. Es joven, dicen que guapo, tiene talento y además conciencia social. Por ejemplo, parte de las ganancias de su primer single irán destinadas a una asociación que se dedica a ayudar a otros chicos menos afortunados que él (Childline Rocks). Todo ello está ejerciendo de catalizador de la carrera artísitica de este joven que ya está siendo comparado con Maxwell y D'Angelo, en mi opinión toda una temeridad. Pero mejor, juzguen ustedes mismos.

Sly Johnson - 74 (2010)

Desde que en el año 2007 Saïan Supa Crew -el colectivo de rap más conocido en nuestro vecino país- decidieran poner fin a su aventura conjunta, cada uno de los miembros ha intentado seguir su propio camino, con mayor o menor suerte. Sly Johnson (Silvère Johnson), beatboxer de la formación, alias The Mic Buddha, ha sido quien ha mostrado un mayor cambio -yo diría que una verdadera metamorfosis tal como anticipaba el EP The June 26th (ya comentado en este blog) y, como finalmente ha confirmado en su primer disco en solitario bajo el título de 74 (año de su nacimiento) editado a finales del pasado mes de setiembre.

En efecto, como afirmaba recientemente el propio artista "Siempre he sido un enamorado del hip-hop. Le voy a ser fiel toda mi vida, pero ya tenía decidido sabía que mi camino musical ya no iba a ser el rap". Animado por su amiga Ayo (la cantante nigeriana que nunca le convenció en su papel de rapero) ha apostado finalmente por un sonido orgánico. El soul y el funk de los años setenta ha sido su elección final (con influencias jazzy), opción que le lleva curiosamente a los propios orígenes del hip hop, para descubrir sonidos, ritmos y colores que le fascinan. Esa mutación del rap hacia el soul se aceleró en el año 2007 cuando murió su madre. Fue un gran shock, se afeitó sus rastas, su voz cambió y su forma de entender la música adquirió un matiz para siempre diferente. Todo ese dolor, su falta de amor, alegría y afecto ha encontrado en el soul la mejor manera de vencer su timidez y poder expresarlo a los cuatro vientos.

Dee Dee Bridgewater -quien al oirle cantar no pudo sino exclamar "That guy sounds like the boys from Memphis!"- se ofreció a producir el disco que finalmente ha sido editado por el sello Universal France. La casa ha puesto a disposición de Sly algunos de los músicos y arreglistas americanos (Larry Gold) más ilustres para insuflar a esta aventura la siempre necesaria calidad en el apartado instrumental. El resultado final está a la altura de las expectativas, un buen álbum de este rapero reconvertido en cantante de soul, tratando de lamer sus heridas a través de la música mientras en los surcos del vinilo crepitan esos arreglos impecables y su hermosa voz plena de soulful.

Mavis Staples - You're Not Alone (2010)

Más vale tarde que nunca, traigo aquí este famoso dicho popular porque creo puede aplicarse al renacer que viene experimentando los últimos años la carrera de esta maravillosa intérprete de Chicago. En efecto, tras casi una década de retiro ha vuelto al panorama musical con una serie de trabajos Have a Little Faith (2004) o We’ll Never Turn Back (2007) que nos han traido de vuelta el excepcional timbre contraalto de la que fuera líder vocal del legendario grupo The Staple Singers, una piedra angular de la música negra norteamericana desde los años cincuenta, "El Tesoro de América".

El pasado 14 de setiembre el sello Anti Records ha editado su último trabajo You are not Alone. Acertadamente el productor Jeff Tweedy (ex-líder y guitarrista del famoso grupo de rock Wilco) ha sabido rodearla en el estudio de grabación con la banda que le ha acompañado en sus giras durante los tres últimos años, por ello se la intuye relajada y cómoda en un entorno que le resulta familiar. Sorprendentemente se nos muestra renovada en una nueva versión como intérprete de baladas, en las que utiliza todo su talento vocal, todos los matices, sin tener que recurrir al poderío de su voz -casi al grito- para llamar nuestra atención, recordándonos lo que siempre fue: una voz de consuelo en tiempos difíciles. Una colección de trece canciones gospel y de versiones de temas de otros artistas, incluyendo dos temas originales escritos por el propio Tweedy.

A medio camino entre el gospel y el blues, es decir entre lo secular y lo sagrado, ella transita sin miedo plenamente consciente de que en realidad hablan el mismo lenguaje: la necesidad de llegar a un lugar mejor. Mavis Staples puede no tener una voz con el rango y poderío de Aretha Franklin, pero ella entiende de la importancia de los detalles en el fraseo que acompaña con una pasión inigualable todo lo que canta, incluso a sus setenta años. No obstante, al igual que el proyecto de Bettye LaVette de principios de este año, You're Not Alone es otra muestra de que la mezcla de los mundos del soul y del indie rock puede lucir bien en el papel, pero tienden más bien a decepcionar en la realidad.

John Legend & The Roots - Wake Up! (2010)

Concebido e inspirado durante la última campaña presidencial de Barack Obama, Wake Up! pretende recuperar ese pasado del rnb más comprometido con el cambio social. El contraste entre la suavidad del cantante John Legend y la pasión/rotundidad del grupo de hip-hop The Roots han empastado finalmente para resucitar once canciones de protesta soul de los años 60 y 70, con el objetivo de evocar y capturar aquel fervor solidario, más necesario hoy que nunca.

La idea que está detrás de Wake Up! es simple: actualizar canciones -en su mayoría desconocidas por el gran público- para despertar la conciencia de una juventud aparentemente aletargada. Musicalmente, The Roots es una de las mejores bandas de la actualidad, dentro y fuera del mundo del hip-hop. John Legend es un notable vocalista que cuenta con dos álbumes neo-soul brillantes en su haber. Entonces, ¿Qué podría salir mal? Tal vez sea la sensación de que el álbum llegó con cerca de dos años de retraso. Tal vez sea el hecho de que The Roots hayan editado How I Got Over este verano en el que ya abordan temas como la inestabilidad política, social y económica. Quizá sea que en ocasiones el disco cae en el discurso facilón y políticamente correcto, por momentos cursi y artificial. Puede ser que la razón esté en que John Legend trate siempre de robar el protagonismo en cada uno de los temas, abusando de los gemidos y de las notas más altas posibles en detrimento de la increíble calidad instrumental de la banda, cuando a pesar de sus seis grammys aún está lejos de poder hacer justicia a clásicos de la talla de Marvin Gaye o Donny Hathaway. Quizás sea que grandes esperanzas son la antesala de las grandes decepciones (en su momento creía que podría ser el disco del año), quizás que no aguanto esas líneas de hip hop/rap o quizás sea que simplemente hoy no tengo un buen día... pero, aunque evidentemente el disco está muy por encima de la calidad media del mercado actual, lo cierto es que no acaba de ser todo lo brillante que auguraba su potencial. En ningún caso logran superar a los originales y se muestran sobrados de arrogancia... para muestra este botón en forma del video correspondiente al tema de Bill Whiters.

Asa - Beautiful Imperfection (2010)

Bukola Elemide, cantante nigeriana popularmente conocida como Asa, está de regreso con su segundo álbum titulado Beautiful Imperfection que se pondrá a la venta el próximo 25 de octubre de la mano del sello discográfico francés Naive. Tras el significativo éxito (sobre todo en Europa) de su anterior trabajo homónimo del año 2008 lleno de soul/pop acústico (ver videos aquí) -y su gira correspondiente- nos volvemos a reencontrar con la voz suave y vaporosa de esta artista, que buscó consuelo a la dura realidad de su infancia en su imaginación e inteligencia confiando en alcanzar algún día sus sueños de estrellato musical.

Con una nueva imagen, reflejo de su propia evolución como persona, apuesta por un cambio en su sonido (más poppy) que le permita expresar su visión más íntima y optimista de la vida; tonos más alegres y felices aunque los problemas sociales sigan presentes en su discurso. El disco se gestó en Lagos, donde la artista encontró su inspiración, así que el álbum es estrictamente sobre su lugar de procedencia, de hecho algunos temas están cantados en su idioma nativo, el yoruba. Sorprende con el que será su primer single, "Be My Man", una pista a un buen ritmo que bucea directamente en las raíces del soul en los años sesenta. De momento me quedo con su anterior versión.

Speedometer - The Shakedown (2010)

Aunque este grupo británico tenga su sede en un país gris, húmedo -y por momentos deprimente- lo cierto es que muestran toda la energía incontenible de cualquier banda clásica de soul-funk de los Estados Unidos en los años setenta. Después de más de una década en los escenarios nos equivocaríamos si les consideramos como burdos imitadores que se suben al carro del retrosoul, de moda de un tiempo a esta parte. Su fervor por el funky es auténtico como avala el hecho de haber trabajado con Eddie Bo, Marva Whitney, Sharon Jones, Sir Joe Quatermain o la cantante Martha High (James Brown).

Fantástico trabajo -editado como siempre por el sello independiente Freestyle- el de este grupo del sudeste del Reino Unido, sin duda uno de los máximos exponentes del funk en el continente europeo. El álbum es funky, puro funk, una bomba a punto de estallar, combinando temas originales y versiones de clásicos. Con The Shakedown han dado un paso más en su carrera al romper con su fórmula tradicional de servirnos básicamente temas instrumentales para editar un trabajo que se ayuda de colaboraciones vocales con el que pretende conseguir una mayor repercusión mediática y de ventas. Un sólido álbum en todo caso que varía en el estilo con la aparición puntual de ritmos afrobeat y latinos pero no en la calidad, que sigue siendo excelente en cada rincón del disco.

Randy Wilson - Up Close and Personal (2010)

Nadie como Randy conoce el peligro que puede suponer tener un estilo, un sonido que recuerde en demasía a un intérprete famoso. En su caso, a quien recuerda es ni más ni menos que a Luther Vandross, uno de los talentos mayores en la escena rnb/soul de los últimos 30 años, todo un icono. Este residente de Oakland, recibió tantas críticas por su similitud vocal que decidió apartarse del negocio de la música por un tiempo. Consiguió un trabajo como conductor de camiones, oficio digno pero muy alejado de las luces brillantes del escenario y del glamuroso estilo de vida que uno puede conseguir como artista.

Nunca dejó de pensar en la música, tenía un montón de ideas sobre nuevas canciones y de cómo perfeccionar su sonido, al fin de al cabo la vida en la carretera te permite disponer de gran cantidad de tiempo para pensar. Finalmente, Wilson decidió volver al negocio de la música editando el pasado 30 de setiembre su segundo disco Up Close and Personal, después de todo ya han transcurrido cinco años desde la muerte de la superestrella... De la mano del productor Robert Anderson y de sus propias composiciones ha tratado de alejarse en lo posible del estilo vocal que recuerde únicamente al maestro para mostrarnos todas sus influencias (Teddy Pendergrass, Will Downing, Marvin Gaye, Al Green y cómo no Luther Vandross); pero es tal su honestidad, la claridad y la pasión que muestra en su voz que no lo logra completamente, lo cual no deja de ser sino todo un piropo para cualquier vocalista.

Irma Thomas - The Soul Queen Of New Orleans (2009)

Durante más de medio siglo la incomparable Reina Soul de Nueva Orleans -un título oficial otorgado por las autoridades locales- se ha situado entre las más importantes e imperecederas embajadoras de la mejor música negra, aunque nunca disfrutara del éxito comercial costa a costa de coetáneas como Aretha Franklin o Etta James. El año pasado, conmemorando los 25 años del sello Rounder, editó esta colección de 15 temas, sin rellenos o pistas de baja calidad, incluyendo tres canciones no publicadas previamente.

Material que bebe directamente del manantial profundo de compositores e intérpretes de New Orleans, entre ellos David Torkanowsky, Allen Toussaint, Dr. John, Pomus Doc, Doyle Bramhall II, Sonny Landreth, James Singleton, Moore Stanton o Henry Butler. En definitiva blues, gospel y soul interpretados por esta magnífica vocalista que posee ese timbre de voz universalmente agradable, que nunca fuerza en las notas altas, firme y convincente en su contenido sentimental y tan precisa como cualquier cantante pudiera soñar. Un disco indispensable tanto para sus fans como para quienes por alguna razón todavía no han descubierto a esta brillante artista estadounidense, verdaderamente única en su clase.

Tok Tok Tok - Oh Lord (to Ray Charles) (2006)

Detrás de este curioso nombre se encuentra un grupo de origen alemán (Friburgo) que apuesta por una fusión casi perfecta entre el jazz acústico y el soul. Aunque el número de componentes ha ido variando entre tres y cinco a lo largo de estos años, desde 1998 su núcleo lo constituyen Tokunbo Akinro (cantante y letrista) y Morten Klein (composición, saxofón). El grupo siempre ha exhibido un curioso mestizaje: así Tokunbo es hija de alemán y nigeriana, Morten es hijo de alemán y danesa, y el grupo ha tenido colaboradores nativos de Islandia, EE.UU. y Gran Bretaña.

Como bien señala Santiado Tadeo, aunque la banda se ha caracterizado por sus versiones de temas clásicos (The Beatles, Stevie Wonder, Ray Charles) en clave jazz/soul, con el tiempo su música ha ido ganado variedad y han ido incorporando a su repertorio sus propias composiciones, influenciados por el soul de los 60, pero con unos arreglos a medio camino entre el jazz contemporáneo, pop y acid jazz. Han sabido construir, a través de sus nueve álbums de estudio y dos directos, un sonido personal, cada vez más ecléctico, integrando también elementos del funk, rnb y nu-soul, que seguro gustará a cualquier amante de la música negra con preferencia hacia el groove. Este tema en homenaje a Ray Charles es un buen ejemplo de lo que se acaba de comentar.

Will Downing - Lust, Love & Lies (2010)

"Realmente este trabajo había estado en mi mente desde hace cinco años. No sabía cómo enfocarlo. Entonces, cuando empecé a escribir canciones, comenzó a tener sentido como una historia. Nunca había hecho antes un disco como este. Es la primera vez que he dicho: ¿Saben qué? Hagamos algo completamente diferente" Así se expresaba el propio artista para referirse a su último trabajo Lust, Love and Lies, publicado el pasado 11 de setiembre bajo el sello Peak Records.

El veterano crooner lo ha planteado como si fuera la banda sonora de una telenovela (An Audio Novel -así reza el subtítulo del disco-), con todos los ingredientes de una historia de amor que seguramente todos hemos vivido en algún momento: el encuentro inicial, el coqueteo, la primera fecha, la escalada, la pasión ... Lo que sigue es difícil de predecir: el compromiso sólido y devoción eterna para algunos, la desilusión o incluso la traición para los demás. Algunas historias tienen finales felices para siempre, otras no tanto. Así pues de la mano de grandes productores como Rex Rideout y Chris "Big Dog" quiere contarnos una historia de amor. El resultado final de su decimoquinto álbum se sale de la norma aunque no sea tan original como cree, con diálogos hablados intercalados entre las once pistas mientras nos cuenta -como si de una tira de viñetas fuera- este romance en el que Dyana Williams ejerce el papel de mujer con su voz sexy. Como en cualquier buena historia es mejor no adelantar el final. Si sentís curiosidad ya sabéis lo que tenéis que hacer. Impulsado por Anthony Jackson (bajo), Randy Bowland (guitarra) o el propio Chris "Big Dog" Davis (teclados) se reafirma como una de las grandes voces de la música negra de nuestro tiempo con el encanto de su poder de seducción y su intemporal rnb/jazz sofisticado. Suavidad como la seda, su timbre barítono de voz tan ágil y lleno de matices que logra transformar un apretón de manos en un abrazo y un susurro en un beso. Son ya quince los discos editados por el de Brooklyn, nada tiene que demostrar este maestro indiscutible del smooth sound.

Esther Phillips - Misery (1950)

Esther Phillips fue tal vez demasiado versátil para el bien de su propia carrera musical. En efecto, era capaz de interpretar sin inmutarse cualquier género, desde blues, rnb, soul, jazz hasta pop o incluso disco. Sin embargo, la industria discográfica carecía de una clara idea, de un plan de cómo sacar el mayor partido a tanto talento. Paradójicamente se vió condenada por ello, demasiado fina y elegante para el soul de los sesenta deambulaba entre distintos estilos sin encajar en ninguno, incorporaba elementos de todos pero sin llegar a situarse definitivamente en ningún género en particular.

Su voz tenía una cualidad nasal peculiar, vanguardista para aquella época aunque no del gusto de todos, a menudo se la comparaba con Nina Simone, aunque ella misma citaba a Dinah Washington o Dionne Warwick como su principal inspiración. Su carrera artística comenzó siendo ella era muy joven (por ello se ganó el apodo de Little Esther) y, según cuentan, ya estaba luchando contra la adicción a las drogas durante su adolescencia. Sus devastadores efectos sobre su salud le costó su vida sin cumplir los 50 años. Sin duda esta maravillosa intérprete cae en el ámbito de esas grandes cantantes que nunca recibieron el reconocimiento de su calidad y de su hermosa contribución a la historia de la música contemporánea. Sin embargo, aquí estamos para recordarla y poder apreciar todo su buen hacer  cuando se subía a un escenario.

Jamiroquai - Rock Dust Light Star (2010)

Una carrera musical que abarca casi dos décadas, una estantería llena de premios, más de 20 singles de éxito editados y unas ventas que superan los 25 millones de discos. Esa es la carta de presentación de uno de los cantantes británicos más carismáticos, Jay Kay y su banda, que están de vuelta, tras cinco largos años de silencio, con su flamante séptimo trabajo de estudio Rock Dust Light Star.

Así es, el próximo 1 de noviembre se pondrá a la venta su debut bajo el sello Mercury Records (Universal) coproducido junto a Russell Charlie y Spence Brad, como siempre los temas que integran el álbum han sido escritos en su totalidad por Kay y sus compañeros del grupo. Según ha trascendido hasta el momento, al parecer Jay -que se había refugiado para mi gusto en exceso en la complacencia del sonido electrónico durante los últimos años- quiere volver a sus orígenes, a ese sonido más orgánico que me fascinara con su primer trabajo Emergency On Planet Earth (1993). Se espera, por lo tanto, una revitalización de la banda gracias a la apuesta por el sonido en vivo aunque manteniendo intacta la esencia funky/disco de su propuesta. El álbum ha sido grabado en el estudio que el propio Jay tiene en su casa Buckinghamshire y también en la legendaria Hook End Manor (Oxfordshire). Como adelanto os dejo el video correspondiente a su primer single, disponible sólo en vinilo en una serie limitada de unidades. De momento no se perciben demasiados cambios, ni siquiera en la temática del video (por cierto el coche y el helicóptero son de su propiedad), habrá que esperar...

Calvin Richardson - America's Most Wanted (2010)

Inspirado por los más grandes del soul (Bobby Womack, Sam Cooke, Otis Redding o Donny Hathaway), de sólida formación musical en un grupo de gospel, formando parte del exitoso grupo Jodeci en los años noventa, pudo por fin comenzar su carrera en solitario en el año 1999 con el disco Country Boy. Como solista, nos ha seducido con su voz de seda soul sureña, un tenor técnicamente impecable y un material que se mantiene siempre fiel a las raíces del soul acompañado de una producción de corte más contemporánea.

Este artista de North Carolina, cariñosamente apodado El Príncipe del Soul, entiende el soul como algo más que un estilo musical, es un conjunto de valores que conforman su modo de vida. Su persistencia parece estar dando poco a poco sus frutos si bien aún no ha tenido un impacto de ventas relevante. Así, en el último año ha visto como su composición de soul clásico "There Goes My Baby" se ha convertido en uno de los mayores éxitos RnB del año, gracias a la gran versión de Charlie Wilson. Recibió un premio como compositor ASCAP & Soul Music Award y obtuvo dos nominaciones al Grammy por su último álbum, un sentido y magnífico homenaje a uno de los más grandes creadores de la música soul, Bobby Womack.

Con el lanzamiento de su quinto álbum, America's Most Wanted, editado por Shanachie y su propio sello Numo el pasado 31 de agosto y coproducido junto a Robert Perry se espera de un paso más adelante como intérprete, compositor y productor. Hace casi dos años que no grababa temas originales, para sus fans esta transición de vuelta a su propio estilo suave era un ansiado regreso. Si arrogancia fuera igual a talento, con un rostro agraciado y el físico de un culturista, tendría sólidas razones para mostrarse confiado.. A pesar de sus atributos, su contundencia física no es capaz de compensar en su totalidad la incomodidad que a veces parece mostrar delante de un micrófono. Pero a pesar de su carácter desigual y de cierto aburrimiento, America's Most Wanted es un sólido álbum que ayuda a mantener viva la llama del soul sureño con mayúsculas. Es verdad que no siempre tiene el material digno para una coronación, pero su alteza ya tiene la voz y la presencia digna de un rey de verdad.

Aloe Blacc - Good Things (2010)

Siempre es un gustazo encontrar artistas diferentes, como Aloe Blacc, todo un graduado universitario, con pasado en el hip hop y el rap (miembro del grupo Emanon a mediados de la década de los noventa) y que tiene muy claro su razón de ser como artista cuando afirma que "mi propósito para la música es un cambio social positivo". En efecto, en el corazón de este artista californiano, pero de orígenes panameños, parece latir el espíritu de un Robin Hood moderno, cuyo objetivo y esperanza fuera liberar a los menos afortunados de los sinsabores del sistema capitalista.

A punto de lanzar su tercer disco en el sello Stones Throw bajo la producción del poderoso equipo de la discográfica (León Michels y Jeff Silverman) junto con el grupo de músicos de estudio crea un sonido analógico y orgánico que encuentra sus raíces e inspiración en el soul comprometido de los años setenta. Un estilo que se muestra perfecto para abordar algunos de temas sociales que preocupan a la sociedad como el desempleo, personas sin hogar, la apropiación indebida de la riqueza, el saqueo de los recursos naturales, la pobreza... ¿Sigo?

 
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