Kim Arrington: Una poeta del soul

Decía el gran poeta José Hierro que "...La poesía es como el viento, o como el fuego, o como el mar. Hace vibrar árboles, ropas, abrasa espigas, hojas secas, acuna en su oleaje los objetos que duermen en la playa..." Con cierta frecuencia los artistas, también en el campo de la música soul, recurren a figuras poéticas que incluyen en las letras de sus canciones buscando precisamente ese efecto, hacernos estremecer aún más con sus composiciones y para ello normalmente se busca más el efecto estético del lenguaje empleado que el contenido del mismo.

Lo que resulta menos común es encontrar a una poeta que ha decidido utilizar la música soul como vehículo para expresar sus sentimientos, sus emociones... en este caso aunque el mensaje resulta crucial y lo estético siendo importante es secundario, sólo el talento del verdadero poeta es capaz de ofrecernos ambos en una combinación que nos procura experiencias absolutamente mágicas; éste es el caso Kim Arrington. Kim es una artista integral, capaz de desenvolverse a muy alto nivel en el campo de la literatura, la poesía, el teatro o la música para transmitirnos sus mensajes, para contarnos historias. Su trayectoria profesional y artística se ha decantado claramente hacia la poesía (ha publicado libros, obtenido importantes premios y reconocimientos), aunque su vocación musical estuvo presente desde su más tierna infancia no ha sido hasta ahora, con 29 años, cuando se ha decidido a emprender este camino.

Con su disco de debut First Love Note Of Kim Arrington publicado por el sello independiente Roaring Refrain, esta artista de North Carolina se desnuda ante nosotros, nos abre su corazón y su alma utilizando su enorme talento poético para disertar sobre la vida y el amor. Es un disco en clave de retrosoul y jazz, en el que la música está al servicio de las letras y de su voz en cada uno de los catorce temas que incluye su primer trabajo. Puesto que la fuerza de su propuesta artística radica en el lirismo, en las letras de las canciones, quizá el disco pueda resultar algo monótono, especialmente para aquellos que no conozcan el idioma de Shakespeare; no esperéis demasiadas concesiones al ritmo o al virtuosismo instrumental. No obstante, se pueden dejar seducir por la voz de Kim, que aunque presenta ciertas limitaciones, está llena de matices por descubrir en cada estribillo, en cada frase de sus canciones; en un viaje musical en el que nos dejamos acompañar por la verdad de esta mujer. En definitiva, Kim ha abierto sus cartas de amor para compartir sus emociones con todos nosotros, en una propuesta musical soulful que aunque presenta algunas fisuras, está plena de originalidad y honestidad, dos valores muy escasos en el panorama musical actual... solamente por ello su trabajo ha merecido nuestra atención y consideración. Juzguen ustedes mismos.

Clásicos del soul: Otis Redding

Como os comentamos al principio de esta nueva etapa de Musicasoul, ibamos a dar a conocer ó recordar, algunos discos ó artistas que, a pesar del paso del tiempo, han dejado una huella imborrable en la construcción de lo que se entiende hoy en dia como música de nuestro tiempo.

Comenzaremos con Otis Redding, nacido en Georgia en 1941, aunque a muy temprana edad se mudó a Macom, la ciudad de Little Richard, es uno de esos talentos de la música llamados a formar parte del Olimpo de grandes del soul. A muy temprana edad tuvo que abandonar el colegio para ayudar a su familia económicamente y lo compaginó con colaboraciones con la banda Upsetters; asiduo a concursos de "cazatalentos", fué impedido de participar en ellos por haber ganado 15 veces consecutivas, pero su estrella pronto empezó a deslumbrar y comenzó a actuar con Johnny Jenkins, acabando finalmente grabando para el sello Stax Records, formado por dos blancos que habían conseguido abrirse un hueco importante con un sonido característico que renovó el RnB trasladándolo al soul moderno, lo que hizo que la multinacional Atlantic los distribuyera a nivel nacional.

Otis, poco a poco, utilizando versiones y material propio, fué forjando su particular estilo de balada y reforzando el llamado "deep soul" ó "soul profundo", caracterizado por el uso de instrumentos de viento y un canto proveniente del interior del alma. Aun asi, no fué profeta en su tierra y el éxito tuvo que ir a buscarlo a Europa, lugar en el que el rock estaba subiendo como la espuma, gracias a grupos como The Beatles ó The Doors; pero su especial forma de cantar logró que la revista Melody Marker le otorgara el título de mejor cantante del año reemplazando a Elvis Presley que llevaba 9 años consiguiéndolo.
Sus disco Otis Blue por fin hizo que adquiriese la notoriedad merecida a su gran talento en EEUU y sobre todo su presentación en el festival de Monterrey en 1967 donde una audiencia multirracial y hippy encontró en Otis el cauce necesario para desembocar el torrente de paz y amor de aquella generación. Pero los dias de gloria pronto acabarían, tuvo tiempo para componer su canción más conocida y emblemática (sittin' on) the dock of the bay. Sentado en su casa bote en la bahía, mientras escuchaba a los Beatles, le surgió esta canción rompedora que significaba un avance creativo espectacular, su alma negra había conseguido rendir con su música a las almas blancas que no sabían lo que era el soul. La canción era su visión de un mundo dificil de comprender, ante una sociedad marcada por los cambios políticos y la guerra. Pero no pudo disfrutar del gran éxito de la canción ya que a finales de 1967, con tan sólo 26 años, la avioneta en la que viajaba junto a su banda se precipitó falleciendo él, su ayudante y 4 miembros más.
Este es el fin de uno de los más grandes vocalistas de la historia del soul, nos dejó su música y su espíritu para que generaciones posteriores pudiéramos disfrutar de su talento, de su voz capaz de expresar la nota más desgarradora al timbre más dulce, de su irrepetible forma de cantar y expresar con su voz los sentimientos, generoso con su música y con los demás, como asi le recuerdan quienes le conocieron. El rey del soul nos dejó pero su legado sigue vivo, seguramente es el gran privilegio de los mitos cuando mueren en la cima de su carrera, nunca cambiará y seguirá siendo auténtico con sus eternos 26 años, perdurando en nuestra memoria por los tiempos de los tiempos.

Natalie Cole: ¿Segundas partes nunca fueron buenas?

Han transcurrido ya más de 17 años desde que Natalie Cole publicara Unforgettable: With Love, un álbum que obtuvo un éxito inusitado en todo el mundo: más de 14 millones de discos vendidos (150.000 copias en España), 5 premios grammy, 5 semanas consecutivas se mantuvo número uno en las listas norteamericanas... sin duda constituyó una de las sensaciones musicales del año 1991.

El single que daba título al álbum, un dueto con su padre Nat King Cole (posible gracias a los medios técnicos, ya que su famoso progenitor había fallecido 26 años antes) obtuvo un enorme éxito y sin duda fué el principal causante de que la gente descubriera un maravilloso álbum que contenía grandes clásicos de la música estándard americana interpretados por la estupenda voz de Natalie. Este disco supuso un punto de inflexión en su carrera musical hacia la música jazz vocal. Hasta ese momento su trayectoria artística, muy desigual, estaba claramente orientada hacia el RnB: una década de los setenta más brillante y unos años ochenta de franca decadencia. En realidad, ya en su álbum Everlasting (1987) incluyó una versión del famoso tema "When I Fall In Love", interpretado por su padre 30 años antes. No obstante, Unforgetabble: With Love fue su primer disco jazz, desde entonces Natalie ha continuado explorando los standards clásicos del The Great American Songbook.

Por si no lo sabéis, con ese término los norteamericanos se refieren a una colección de canciones de gran popularidad -escritas aproximadamente entre 1920 y 1960- muy próximas al estilo de los musicales de Broadway y Hollywood. Su gran popularidad traspasó esos ámbitos para situarse como elemento central en los repertorios del jazz vocal -hoy en día mantienen ese status-. Los músicos de jazz se refieren a ellas como "standards" y se han acabado por convertir en parte importante de la cultura americana del pasado siglo. En lugar de aprovecharse del éxito y apresurarse por editar un segundo volumen; Natalie decidió esperar hasta que llegara el momento adecuado, cuando sintiera que su alma y corazón estaban preparados para enfrentar este reto. El momento ha llegado y el pasado 9 de septiembre ha publicado la segunda parte de aquel disco histórico bajo el título Still Unforgettable, de la mano de Rhino/Wea Records y rodeada de un equipo de arreglistas de lujo (John Clayton, Patrick Williams, Nan Schwartz y Víctor Vanacore). Es la primera vez que Natalie toma la riendas de la producción -junto a Gail Deadrick- e insiste en la misma fórmula: contiene auténticos himnos("Nice 'n' Easy", "Come Rain or Come Shine" o "The Best Is Yet To Come" entre otras) y, como no, un dueto con su padre "Walking My Baby Back Home", grabado por éste a principios de la década de los cincuenta. En esta ocasión ha ido más allá del repertorio de canciones de Nat King Cole y ha incluido temas de Frank Sinatra, Lena Horne, Sammy Davis Jr, y Peggy Lee... nada más ni nada menos.

No es nada fácil enfrentarse a un proyecto de esta naturaleza (que se lo pregunten a Rod Stewart), no es fácil homenajear a canciones que son auténticos iconos, aportar algo nuevo personal sin que se resienta su esencia, su magia, lo que las hace tan grandes. Natalie Cole ha sido capaz nuevamente de conseguirlo abrazándonos con su maravillosa voz flexible en cada uno de lo 14 cortes del disco. Os confieso soy un enamorado de los standards jazz y que admiro la voz de esta gran cantante (por cierto, espero verla recuperada definitivamente de su problema con las drogas) por lo que no me siento capaz de responder con objetividad a la pregunta que planteo en el título del post, aunque si me ha parecido que quizás el disco está por debajo de su potencial. Así que dejo que cada cuál emita su propia opinión, sabedor de un mejor juicio por vuestra parte.


Kenny Lattimore: Conductor de emociones

La salida al mercado del nuevo disco de Kenny Lattimore, pone fin a una sequía de 7 años desde que se publicara el anterior en solitario, allá por el 2001 titulado Weekend. Su título lleva por nombre Timeless, y no se trata de un disco con canciones originales como muchos hubíesemos deseado que fuera, sino de un álbum de versiones.

Eso en un primer momento me hizo pensar que sería una nueva vuelta de tuerca a canciones exitosas que son una y otra vez re-interpretadas con mejor ó peor suerte por numerosos " artistas", de los cuales más de uno ha hecho de ellos su única posibilidad de existencia en el mundo de la música. Es igualmente sospechoso que despues de un disco de éxitos en el 2004 y dos discos de duetos con su mujer Chanté Moore en el 2003 y 2006, con canciones llenas de romanticismo y elegancia que son el complemento ideal para cualquier persona enamorada, no nos hubiera ofrecido un repertorio propio como buen compositor que me consta que es. Aun así, las once canciones que ha utilizado para completar este trabajo, no son las habitualmente empleadas en otras realizaciones, sino de canciones especialmente elegidas para alcanzar una sensación de pureza y perfección. Canciones intimistas que con la sensibilidad y técnica vocal de este extraordinario conductor de emociones, nos hace partícipes de sus intenciones y sin poderlo evitar entramos en una delicada y esponjosa sensación de bienestar que quisieramos que nunca se rompiera.

Ha contado con la colaboración del veterano productor, arreglista y músico Barry Eastmond, con el que compartió colaboración en discos anteriores y de una nueva casa discográfica, Verve del grupo Universal. Asimismo cuenta tambien con lo más importante, canciones provenientes de un variado espectro en cuanto al género musical, pero todas ellas bajo un denominador común, el buen gusto. Asi podemos encontrarnos con una extraordinaria balada de Al Green, titulada "Something" que abre el disco, "And i love her" de los Beatles, "I Love You More Than Words Can Say" de Otis Redding y otras composiciones que van desde Stevie Wonder, Elton John, Aretha Franklin ó el éxito de los 70 titulado " You Are My Starship", que es su carta de presentación para esta nueva aventura que sin duda, aunque no nos ofrezca originalidad, siempre se encuentra refugio para interpretaciones vocales de calidad de uno de los más talentosos baluartes del RnB contemporáneo.

LeJuene Thompson: The Diva In Waiting

El pasado 15 de Julio el sello Lecoe puso a la venta Metamorphosis el esperadísimo segundo trabajo de la cantante del gospel LeJuene Thompson. El título escogido para su nuevo proyecto resulta de lo más apropiado si tenemos en consideración que se observa una importante evolución, casi una completa transformación en su propuesta musical respecto al que fue su primer álbum "Soul Inspiration", editado por Emi en el año 2001.

Desde entonces ha colaborado con primeras figuras de la escena gospel como Donald Lawrence, John P. Kee, Twinkie Clark, Karen Clark-Sheard, Shirley Caesar, Bishop T.D. Jake o Micah Stampley entre otros. Soul Inspiration causó un importante impacto y entusiasmo entre el público y la crítica, estando nominado en diferentes categorías para los premios Dove y Stellar, como ya sabéis los más prestigiosos dentro del género gospel. A pesar del éxito obtenido con su disco de debut, esta artista nos plantea siete años después una propuesta musical radicalmente diferente: abandona el estilo soulful gospel, pop y rnb (en la línea de otras divas del gospel como Beverly Crawford, Londa Larmond o Yolanda Adams) de su trabajo anterior y opta por demostrar a la audencia su amplia gama vocal y su habilidad para moverse de manera ecléctica en diferentes estilos. En canciones como "I Gotta Feelin” o "Praise" los amantes del gospel se sentirán plenamente reconfortados, mientras que el tema "Ooh La La" en clave groove nos cuenta la excelencias del amor incondicional del señor, por su parte el sonido más soulful encuentra su acomodo en canciones como "Lost Without You".

Como ya ocurrió en el disco anterior, la dirección general del proyecto ha recaído en su propio marido Cedric Thompson, reconocido productor de gospel (ganador ente otros de un premio grammy) con quien forma un sólido tandem profesional. Cedric nos muestra con claridad como hacer un buen álbum de gospel: el talento vocal esta ahí, la música acompaña la voz de manera perfecta y las inspiradas letras completan un trío de lujo. En esta ocasión se ha hecho acompañar en las sesiones de grabación del disco por Dennis Reed & GAP, un nuevo grupo vocal de Charlotte que con su juventud, su fuerza y entusiasmo aporta un sonido capaz de electrificar al público. LeJuene ha completado su metamorfosis, "the diva in waiting" como la denominó la prestigiosa revista billboard ha emergido para convertir en realidad el sueño de cualquier amante del gospel contemporáneo, para darle todo aquello que estaba esperando. Aunque somos conscientes que el sonido gospel a menudo nos resulta ajeno, de un interés relativo en nuestro mercado, os traemos a esta diva en ciernes con un talento vocal deslumbrante que ha demostrado su capacidad para moverse en distintos estilos... si aprecias la calidad vocal dedícale un poco de tu tiempo, no te arrepentirás.

Eric Benét : Love & life

El esperado regreso del fantástico compositor y vocalista Eric Benét, con su disco Love & Life, hacía presagiar que nos encontraríamos ante uno de los mejores discos de este 2008.
Sus anteriores trabajos y en especial el último, titulado "Hurricane", eran su aval, estaban repletos de canciones llenas de vitalidad y frescura, que a traves de su voz, una de las más elegantes del Rnb, hacían las delicias del más exigente amante del sonido soul actual.

Sus comienzos en la música fueron en su adolescencia, cuando formó un grupo vocal llamado Benét con su hermana y su primo, pero su escaso éxito le hizo recapacitar y firmó con la Warner para emprender una carrera en solitario. De esta forma surgió su álbum debut, "True to myself" en 1996, pero para conseguir su primer éxito comercial tuvo que esperar a su segundo disco, en 1999, titulado "A Day In The Life" con el que consiguió el Soul Train Award como mejor disco de RnB/soul solista masculino y con la canción Spend My Life With You, con la que llegó al número uno y a estar nominada a los Grammys. Pero su vida personal entró por derroteros poco musicales, se casó con la famosa actriz Halle Berry, entró en el mundo del cine de la mano de Mariah Carey en la película Glitter y su posterior divorcio en el 2004 puso fin a una etapa de sequía musical lanzando su tercer disco Hurricane en el 2005, el cual no tuvo la aceptación que debió merecer, quizá por sus devaneos personales anteriores.

En el 2006 se frustró lo que iba a ser su cuarto disco, bajo el título de Better and Better, lo que ha servido para que algunos temas se hayan retocado y actualizado para esta "oficial" cuarta entrega por título Love & Life, que pretende ser su disco más personal, donde sin tapujos nos abre las puertas a su vida personal y más espiritual.En su primera escucha resulta monótono y sorprendente, pero no en lo positivo, sino en lo inesperado de un comienzo del disco bastante mediocre y algo aburrido, van pasando las canciones y notas que falta algo; complicidad, emotividad, inspiración..., la realidad es que hasta la mitad del disco no acabas de conectar con un artista que siempre ha dado todo en sus canciones.

De esta manera hasta el quinto corte, la balada titulada Everlove a duo con Terry Dexter no empezamos a poder dislumbrar pequeñas joyas que despuntan en la oscuridad, continuando con la funky Iminluvwichoo a dúo con Linda Kiraly y Weekend Girl, melodías más armoniosas con sonidos que nos hacen recordar sus estupendos anteriores trabajos, un salto a la sensual y latina Spanish Girl, donde da rienda suelta a un tema muy recurrente en él, el sexo, finalizando con Still I believe, canción rítmica y que con sensual elegancia remata con la fuerza de su voz, y la balada One More Tomorrow inspirada por su mayor devoción y verdadero amor de su vida, su hija India, resultado de su primer matrimonio, interrumpido fatálmente por un desgraciado accidente de tráfico. Resulta paradógico que, sin que haya ninguna canción que se la pueda catalogar como mala, el disco en su conjunto te deja un ligero sabor amargo por la no existencia de algo que sea realmente extraordinario, la positividad existencial y la relajación sentimental de Eric quizá sean los culpables, y desde aqui no querríamos ser egoistas y desearle lo contrario para que podamos disfrutar de la riqueza de este artista, pero si que consiga ese equilibrio deseado para todo artista creativo.

Leon Ware: Apaga las luces en buena compañía...

El pasado 12 de agosto, la renacida (y legendaria) casa discográfica de la música soul Stax Records publicó con orgullo Moon Ride el nuevo trabajo del no menos legendario cantante, productor y compositor Leon Ware. Podemos avanzaros que con este nuevo disco, Leon no viene sino a confirmar la reputación que tiene este artista como maestro del soul más sensual.

Seguramente tendrás en tu discoteca particular más música de Leon Ware de la que te puedas imaginar, quizás no ha trascendido tanto su faceta como vocalista pero su aportación a la música como productor, arreglista y compositor ha sido verdaderamente notable. En su impresionante curriculum figuran algunos de los más emblemáticos temas de las dos últimas generaciones en el campo de la música soul y pop: Michael Jackson, Minnie Ripperton, Ike & Tina Turner, Quincy Jones, The Isley Brothers, Maxwell, Kim Weston... y, por supuesto, no debemos olvidarnos del fantástico larga duración "I Want You" escrito y producido junto a Marvin Gaye en el año 1976. Después de más dos décadas publicando en sellos independientes, Moon Ride es su primer trabajo para una casa discográfica mayor, la culminación a toda una etapa en la que el artista de Detroit ha mantenido una intensa y fructífera actividad artística, aunque lastrada por la falta de presupuesto. Su música se puede calificar como sensual y sofisticada, con un gusto por los matices y los cambios de tempo dentro de sus canciones que evidencian una fuerte influencia del jazz en su obra. Sus letras contienen una fuerte carga erótica dejando justo ese pequeño margen apropiado para la imaginación de los amantes. Vocalmente, su fraseo y entonación nos recuerda al gran Marvin Gaye.

Debemos señalar que este disco no está concebido como una simple sucesión de distintas canciones sino como un álbum en su conjunto, por lo que quizás resulta difícil en una primera escucha. No importa, déjate llevar por este maestro en un viaje profundo hacia la sensualidad, déjate atrapar por sus elegantes texturas, por el transfondo de guitarras funky, por las líneas del teclado y déjate envolver por la voz de este gran contador de historias de amor. En Moon Ride se mantiene leal a la esencia de su estilo musical: canciones como "Just Take Your Time", "Hold Tonight" o "Smoovin" son odas llenas de amor, una mezcla embriagadora de fantasía y realidad, "Loceans" con ese tono evocador e hipnótico expresa al mismo tiempo todo el romanticismo y la lujuria del amor (todo un manual sobre las diferentes posibilidades de uso de las lociones corporales). El tema funky "Serving You Love" sería otra gran opción... en realidad no resulta tarea fácil señalar cuales son los mejores temas entre tanta calidad, en los que por cierto realizan algunos "cameos" James Ingram, Tevin Campbell o Amp Fiddler. Como tantos otros compositores que se mantienen "fuera de escena" Leon Ware siempre ha deseado interpretar sus propias composiciones. El propio artista reconoce que "I've never really been out there as a fully-fledged recording artist and performer because of my love for producing and writing. Now," he emphasizes, "it's time to do that..." En definitiva, un disco que te acariciará los sentidos con cada tema, un disco soulful jazz suave y sudoroso que invita a su escucha en buena compañía y sobre todo al revolcón, un disco de altísimo nivel que hará las delicias de los amantes en general, y del soul de calidad en particular.

Eli "paperboy" Reed: Energía continua

El soul parece estar entrando en una nueva etapa comercial con la llegada de mujeres como Amy Winehouse ó Duffy, mal llamadas "princesas del soul", y el éxito que esta consiguiendo este blanco de 24 años nativo de Massachusetts llamado Eli "paperboy" Reed, considerado por muchos su equivalente masculino, no era una carta de presentación válida para la definición de lo que te puedes encontrar nada más escuchar las primeras notas de su disco "Roll With You".

Su sonido va más allá, ó mejor dicho más lejos, a unos orígenes donde artistas mayoritariamente negros transmitían con su voz y música los sentimientos más profundos y la energía más poderosa. A una etapa donde el SOUL en mayúsculas era un volcán en plena erupción y los artistas como Otis Redding, Sam Cook ó James Brown iban dejando senderos señalizados por donde fluían a raudales los sonidos y las energías que trataban de dar vida a un nuevo concepto, una forma de existencia más espiritual y de confirmación de lo auténtico.

Guitarras rítmicas, teclados al más puro estilo de los 60 y metales, vibrantes metales de saxos y trompetas a través de Ben Jaffe, Patriq Moody y Paul Jones, algunos de los componentes de su banda, The True Loves, banda que se forjó tocando en las esquinas de las calles y en clubs de música punk, y que liderados por Eli Reed (Eli Husok es su verdadero nombre) son parte importante del resultado final de este disco. Y por supuesto, la voz de este blanco, que creció escuchando los discos de soul que su padre, aficionado a la música negra, ponía en el "pick-up", mostrando su disconformidad con lo establecido, de hecho su mote "paperboy" le viene de la especial forma de llevar la gorra que pertenecía a su abuelo y que le da ese aire al estilo de los antiguos repartidores de periódicos en los EEUU.

Autodidacta, su primer disco lo saco cuando tenía 21 años de manera muy precaria y con muy pocos medios, pero su talento especial pronto consiguió que una discográfica mostrase su interés en sacar al mercado un disco con mejores medios y con la producción de Ed Valauskas, dando como resultado este disco, donde se mezclan canciones rítmicas que te recuerdan a James Brown, como "Doin'The Boom Boom" ó "The Satisfier" en las que los ritmos y sonidos explosivos se entremezclan con los gritos desgarrados de Eli, junto a baladas y a medios tiempos souleros como "I'll Roll With You" ó "It's Easier" del mejor estilo de Otis Redding ó Sam Cooke. No hay duda que nos encontramos con uno de esos pocos blancos con una garganta y alma del mismo color que aquellos artistas que hicieron las delicias en un tiempo ya pasado. Y no, no se trata de un imitador que trata de despuntar como sea para conseguir éxito y fama rápidos, su realidad es auténtica y es capaz de emocionarnos ó hacernos vibrar con su voz y un estilo que aunque pase el tiempo, siempre consiguirá llenar los recovecos de nuestros corazones.

Mycle Wastman: Lo que una voz es capaz

Hace aproximadamente un mes, una buena amiga me comentó tras su vuelta de un viaje por Estados Unidos que su última obsesión musical era Mycle Wastman, un artista que había tenido la oportunidad de escucharlo en vivo en un conocido local de Nashville -la ciudad de la música country-. Conociendo sus gustos musicales, no le resultó muy difícil convencerme para que oyera el cd que se había traído de su álbum de debut The Beautiful Stay; debo reconocer que me contagió su entusiasmo, así que accedí encantado a su propuesta, no sin algunas reservas.

No os asustéis, no os traigo un artista de la música country, esa gran desconocida en nuestro país, llena de estereotipos y prejuicios tan alejados de la realidad, de la que me confieso gran admirador, pero esa es otra historia... Mycle nos presenta una música que mezcla pop, rock y soul, muy cerca de lo que se ha convenido en llamar Blue Eyed Soul, como ya os hemos comentado en algún post anterior no se trata de un estilo concreto de música sino un término genérico utilizado para referirse a la música soul interpretada por blancos. Cuando escuché el disco comprendí rápidamente que lo que maravilló a mi amiga, no fue tanto el estilo musical, su música se mueve entre melodías fáciles, próximas al pop/rock y por tanto apto para todos los públicos; sino el asombroso talento vocal que este artista nativo de Seattle demuestra poseer tanto en el estudio de grabación como en directo (lo podéis comprobar con la canción Found Wantin en el reproductor multimedia). Aunque no está en la línea del tono de voz que más me agrade o convezca, es imposible no reconocer el enorme rango vocal de este cantante, en particular el uso del falsete, que ya algunos críticos norteamericanos consideran que rivaliza con Mariah Carey o Prince.

Formando equipo con Jonathan Kingham y Ryan Smith ha escrito y producido los 12 temas originales que se incluyen en el disco. Un disco lleno de bellas melodías, sin desperdicio ninguno, todas estupendas que van desde el irresistible ritmo funky de su primer single "Found Wantin", el conmovedor y emocionante "The Beautiful Stay" que da título al disco, el sonido del órgano y voz se funden maravillosamente en "Never Love Again" o el suave balanceo de "As Long As Long As I'm With You" muy en la línea de D'Angelo. The Beautiful Stay es una fiesta inacabable para nuestros sentidos, su voz atemporal plena de sensibilidad soul hábilmente combinada con los arreglos instrumentales (fantástico ese sonido órgano tipo Hammond B3) han terminado por componer un maravilloso álbum de début, un soplo de aire fresco de alguien destinado a hollar las cotas más altas de la excelencia musical. Como señalo en el título del post, en este trabajo Mycle nos regala con un repertorio de todo lo que la voz humana es capaz de lograr... realmente fascinante.

Trina Broussard: Punto ...y seguido

Son muchas las injusticias y pecados que se han cometido a lo largo de la historia de la música moderna y escuchando este álbum debut de Trina Broussard titulado "Inside my love", si habéis leído bien, álbum debut, no puedo evitar recriminar a las personas que tomaron la decisión de privarnos de disfrutar de una maravillosa obra soul.

Ella firmó con Jermaine Dupri para el sello So-so Def a finales de los noventa e incluso realizó dos singles para el lanzamiento de este álbum, pero increíblemente nunca vió la luz. Su nuevo cambio de discográfica en el 2002, la Motown, y la publicación de un nuevo disco "Same girl", no hizo otra cosa que mantener enterrado este disco hasta este 2008. El disco de nuevo ha tomado protagonismo a traves del sello UK Expansion Records, especializado en la publicación del nuevo soul y smooth jazz independientes, que ha adquirido los derechos y lo ha publicado. Son muchos los años que han pasado desde que se grabó hasta el dia de hoy y eso ha hecho que copias promocionales del disco hayan cambiado de manos por importantes cantidades de dinero. Inside my love puede considerarse hoy en dia como un disco pionero del soul contemporáneo, cuenta con colaboraciones importantes como Jamey Jaz, Rahsaan Petterson (cómo me gustan sus composiciones y voz), Alicia Keys, Puff Johnson ó Trey Lorenz.

Su corte inicial "Losing my mind", bella y comercial balada estilo Rahsaan Patterson, nos va abriendo camino con lo que nos vamos a encontrar, le sigue otra no menos bella balada "Why do i feel so sad" muy al estilo Babyface, clásicas como "Remember me", funky a medio tiempo como "Not around", susurrantes y sugerentes como "Sailing" ó "Say you really love me"..., hay pocos temas que se puedan pasar por alto, incluso su bonus track no incluido en la versión original de los noventa "It`s not really christmas" es una estupenda soulful canción. Nunca es tarde para disfrutar de un buen álbum, y en este caso la demora de la publicación no ha recortado ni frescura ni vida ; disfrutemos pues de este disco con la esperanza ciega en que, la inminente publicación de su disco "Life of a libra", esta vez acorde con su fecha de creación, nos vuelva a sorprender gratamente.

 
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