Angela Johnson - Naturally Me (2014)

Hace unos días iniciaba en la página de Facebook asociada a este blog una serie programada de entradas que bajo el pretencioso nombre de Lo mejor de Musicasoul pretende dar un repaso a los seis años de existencia de este espacio destacando lo mejor de los casi 500 artículos publicados hasta la fecha. Comenzaba esta mirada hacia atrás con el disco A Woman's Touch Vol.1 (2008),  la primera review de este proyecto. 

Casualmente, a mediados del próximo mes de agosto esta enorme artista neoyorkina publicará su quinto trabajo, Naturally Me, nuevamente bajo el sello británico Dome Records, como ya sabeis especializado desde 1992 en la promoción de artistas soul y neosoul del mercado británico y del resto del mundo. Angela siempre ha destacado por su capacidad para moverse en campos tan diversos como la composición (tanto de la música como la letra de sus canciones) como productora, arreglista o multiinstrumentista y, por supuesto, como cantante. En todos ellos ha demostrado su buen hacer y competencia. En esta ocasión nos propone diez temas, un homenaje a la desaparecida Teena Marie, canciones excelentes, grandes arreglos y convincentes interpretaciones vocales y que cuenta con la notable colaboración de Raul Midon (vocal), Wes Mingus (guitarra, hip hop) y Onaje Allan Gumbs (piano, jazz), acentuando de este modo el carácter ecléctico de este trabajo. El álbum rebosa por los cuatro costados buena música soul, rnb y toques de funk, siempre bajo el prisma del buen gusto, la elegancia y la omnipresente calidad que preside todos los trabajos de una de las artistas más desconocidas y menos valorada de la escena neosoul independiente de los últimos 15 años.

Con ella comenzó una aventura en esta plataforma pública a través de la cual he querido compartir con todos vosotros mi pasión por la música negra en el convencimiento de que conocerla era amarla. Mi filosofía estuvo clara desde el principio, no buscaba el éxito o el reconocimiento externo, su feedback es y ha sido puramente emocional y como tal, todas mis publicaciones son puro y sincero sentimiento. Era preferible un “me gusta” o un comentario a un buen posicionamiento en Google. Tenía claro que quería crear contenidos de calidad, lo importante era hablar sobre aquello que tanto me gustaba, mi pasión vital. Si además resultaba práctico e interesante para el resto mejor que mejor. El círculo parece al fin cerrarse...


Liam Bailey - Definitely Now (2014)

Cuando me preguntan qué es la música soul, suelo encogerme de hombros, es un término difícil de definir, puesto que describir la música con palabras es tarea harto difícil, casi imposible, ya que es un conjunto de sensaciones, pensamientos, momentos, lugares, imágenes, influencias y demás cosas que podríamos decir que encierra la música en si.

El soul podemos considerarlo como el alma hecha musica. Habitualmente tal sentimiento se expresa ajustándose habitualmente a determinados parámetros o estructuras (típicamente Motown o Stax) pero realmente sus caminos son siempre inescrutables. Hago esta reflexión, en relación a la edición el próximo mes de agosto del primer larga duración de un viejo conocido de este espacio, Liam Bailey que ya cuenta con dos EPs editados en su curriculum, Definitely Now ha sido lanzado bajo el sello Flying Buddha, co-producido por el propio Liam y el prestigioso Salaam Remi (su mentor en el mundo de la música). Su propuesta se asemeja más a lo que podríamos considerar como música de cantautor, pero el soul habita en sus cuerdas vocales, nos transmite esas sensaciones o emociones de nuestro género favorito aunque su propuesta sea ecléctica y alejada de cualquier estructura habitual. En efecto, su distintivo y carismático timbre vocal -libre de autotune- y su forma de interpretar, con una expresividad cruda tal que ha sido comparado con Bob Marley (sobre todo en los temas cercanos al reggae) y Sam Cooke le acerca sin duda al territorio del soul. No obstante, su estilo de composición, su forma de entretejer el apartado instrumental y el protagonismo otorgado a la guitarra nos recuerda más a bandas rockeras como The Smiths u Oasis. Él es en definitiva un artista que vuela libre, sin ataduras, sin complejos, que puede llegar a interesar a los amantes del soul por el atractivo del timbre de su voz.

Naomi Shelton & The Gospel Queens - Cold World (2014)

Cold World supone el ansiado regreso de Naomi Shelton -y su grupo vocal- que vienen de nuevo a predicarnos el evangelio con su fantástica mezcla de gospel-soul, cinco años después de su inolvidable disco de debut What Have You Done My Brother?. Las cosas han cambiado mucho en este intervalo de tiempo, ya no son unas desconocidas.

Un evidente síntoma es que ha realizado numerosas giras por los escenarios y festivales más prestigiosos antes de reunirse de nuevo nada menos que con la familia de Gabriel "Bosco Mann" Roth para la grabación de este nuevo álbum, en su ya mítico sello Daptone Records. Cold World es un disco gospel (desde las típicas notas del órgano Reedy, los mensajes de clara inspiración lírica o el apoyo de las armonías vocales del grupo The Gospel Queens); pero al mismo tiempo, incorpora muchas de las características o estructuras de la música soul. Una combinación mágica muy de mi gusto personal. En efecto, apoyada en una magnífica banda compuesta por primerísimas figuras de músicos e impulsados por la voz ronca y potente de Naomi, navegamos siempre a favor de viento, con esa fusión perfecta entre el gospel y el alma más sureña, tal y como lo entendían Curtis Mayfield o The Staples Singers allá por la década de los setenta, tal y como la entiendo yo. Que se diga que esta nativa de Alabama posee una de las voces más distintivas en el soul ahora mismo, resulta toda una obviedad pero nunca está de más recordarlo. Complementada perfectamente con las exhuberantes armonías del grupo vocal The Gospel Queens (Bobbie Gant, Cynthia Langston y Edna Johnson) nos lleva hasta un nirvana sensorial inolvidable.

Al igual que muchos cantantes de gospel y rhythm and blues, Naomi aprendió a cantar a una edad temprana en la misma iglesia donde fue bautizada junto a sus dos hermanas mayores, inspirada en los grandes del gospel como Sam Cooke and the Soul Stirrers o the Five Blind Boys of Alabama, más tarde recogería las influencias de grandes del soul como Wilson Pickett, Sam & Dave, Otis Redding o Lou Rawls. Toda esa tradición explica la maravillosa experiencia que supone para cualquiera oírla cantar, sea un fiel creyente o no. La voz de Naomi suena impresionante e inimitable, con una identidad musical construida con mucho esfuerzo y a medio camino entre el gospel y el soul, resuena autoritaria, inconfundible, auténtica, sensible...en fin, se me acaban los elogios. Como ya lo fue el anterior trabajo, Cold World es un disco endiabladamente bueno, no es un disco gospel más al uso que quizá pueda retraer a más de uno. Es un disco excelente que mezcla soul y gospel de manera magistral, un trabajo musicalmente extraordinario, auténtico, firmado por una mujer que canta maravillosamente con el alma y que transmite una positividad, felicidad y esperanza que debe interesar más allá de las creencias que tenga cada cual.

The Blaxound - Trans-Mission (2014)

El panorama nacional de la música negra ha cambiado sustancialmente en los últimos años, aunque con retraso respecto al resto de Europa, una auténtica eclosión de bandas nacionales han logrado reinvindicar el género y atraer el interés de un público cada vez más joven con un producto más que digno, que interesa -y mucho- más allá de nuestras fronteras, pues no nos falta ni cantidad ni calidad.

Cataluña, y más concretamente Barcelona, se ha erigido en el epicentro de todo este fenómeno, la capital de la música negra del sur de Europa, con su buque insignia The Excitements a la cabeza. Actualmente más de cuarenta bandas nos acercan a la música negra profundizando en sus variantes estilísticas, cultivando un amplio espectro del género (funk, deepfunk, boogaloo, afrobeat, neosoul, soul o rhythm'n'blues) suenan con fuerza en la capital catalana, una cifra sorprendente si tenemos en cuenta que hace solo unos años se refería con nostalgia los trabajos pioneros de La Fundación Tony Manero o Slips allá por la década de los noventa. Toda esta fuerza creativa, aunque tenga en origen un carácter espontáneo, ha sido sabiamente dirigida por la plataforma Blackcelona (2012), impulsora de festivales (Blackcelona Explosion) e incluso editando discos recopilatorios, recogiendo toda esa vitalidad creativa y dándole la difusión que requiere. Finalmente, aunque todavía escasa de salas con respecto a otras ciudades europeas, no podemos olvidarnos del importante papel jugado por locales como Café Royale, Jamboree Jazz Club y, especialmente, Marula Cafe, el templo de la música negra de la noche barcelonesa, todos ellos han realizado una labor impagable remando en la misma dirección.

Webs especializadas (nuestros compañeros de Soulspain como referente ineludible), locales, festivales, discos, tiendas de discos, sesiones, documentales... toda esta maquinaria necesita ser engrasada por materia prima: grupos de calidad suficiente que alimenten y sostengan el fenómeno. En este sentido, quiero presentaros a esta interesante propuesta, el segundo trabajo de este proyecto, en esta ocasión de la mano del sello norteamericano Hammond Beat Records. En realidad, The Blaxound es el alter ego de Marta Román, verdadera alma mater de todo este invento. Compositora, guitarrista, bajista y productora, ha reunido en torno a ella a un grupo de amigos personales y músicos profesionales integrantes de Phat Fred, Fundacion Tony Manero o The Slingshots para proponernos un disco en el que se da cumplido repaso a la música negra de los setenta en sus distintos estilos (deep funk, funk, Memphis soul o incluso Blaxpoitation). Un total de diez temas (más un interlude), incluidos un par de instrumentales, un par de versiones ("Unlovable", The Smiths y "Poor Millionaire", Tommy Hunt) apoyados en la voz versátil de Patricia García (Patuka G Campos) y en la magnífica voz incendiaria de Roger Caballe (The Slingshots) en un par de cortes. En definitiva, Trans-Mission nos ofrece una más que digna sesión de música negra madura y refinada, un suma y sigue de esta auténtica cantera creativa que supone actualmente la escena negra catalana. ¡¡Salud y que sea por muchos años!!.

Clásicos del Soul: Holland-Dozier-Holland

Este año se conmemora el 45 aniversario del lanzamiento de los sellos discográficos Invictus, Hot Wax y Music Merchant, creados por el trío de compositores y productores Brian Holland, Lamont Dozier y Eddie Holland tras su amarga separación del imperio Berry Gordy Jr. Cuando el trío dejó la Motown, continuaron trabajando como equipo de producción hasta alrededor de 1974, aunque curiosamente debido a la disputa legal, desde 1969 a 1972 no pudieron firmar el material con su auténtico nombre, en su lugar utilizaban el seudónimo colectivo "Edythe Wayne".

Por una parte, la espectacular colección recoge los 157 singles editados (96 editados en el sello Invictus, 44 en Hot Wax y 17 con Music Merchant) -tanto caras A como B-. Por otro lado, incluye además vinilos extremadamente raros que residían en colecciones privadas, grabaciones inéditas (remixes, temas instrumentales) desenterradas tras un arduo proceso de investigación, para un total nada menos que de 269 títulos. Todo ello acompañado por un completo libreto de 80 páginas escrito por Dean Rudland presentado en una caja de lujo. Sin duda la más completa reedición jamás realizada de un catálogo sobre una parte tan importante de la historia de la música soul. Más allá del interés propio de este lanzamiento, en realidad este post me sirve de excusa perfecta para recordar la figura de este legendario trío, si bien el periodo que recoge esta colección no es el mejor de su trayectoria. Aunque en sus comienzos trataron de labrarse en solitario una carrera como intérprete, especialmente Lamont, la falta de éxito e incluso el propio miedo escénico que atenazaba a Eddie les decidió finalmente por conformar un tandem de compositores y productores sin igual. Durante su permanencia en el sello con sede en Detroit 1962-1967, Lamont y Brian fueron los compositores y productores de cada canción mientras que Eddie se reponsabilizaba de escribir las letras y los arreglos de voces. Apoyados en un excelente equipo de músicos de estudio (The Funk Brothers) y equipos de grabación sofisticados para la época, H-D-H colocaron a la marca Motown a la vanguardia de la música popular americana de los años 60. Decenas de canciones jalonan su carrera, la mayoría de singles de éxito de la discográfica, incluyendo 25 número uno, aunque sus producciones más célebres y recordadas fueron los singles editados para los Four Tops y The Supremes.

Una disputa por el reparto de los beneficios y los royalties supuso el fin de la alianza con el mítico sello y el comienzo de uno de los litigios legales más largos de la historia que se enredó con ulteriores demandas y contrademandas hasta el año 1982. Una pena, porque ciertamente su nueva aventura con aquellos sellos propios que hoy recordamos sólo obtuvo un éxito moderado. Lamont pudo alargar más su carrera retomando finalmente su carrera como intérprete, como productor (Aretha Franklin) y como compositor durante la década de los ochenta (Simply Red, Boz Scaggs, Eric Clapton y Phil Collins). Hay compositores que siguen las tendencias. Hay compositores que crean tendencias. Y luego están los compositores cuyos catálogos van más allá de cualquier tendencia, que crean el sonido de una época y cuya influencia aún se hace sentir décadas después. Una vez que supieron que habían dado con la tecla del sonido para la joven América, la música unió a la gente, hizo más por las relaciones interraciales que cualquier político o ley que se promulgara en aquel momento. Ese es el verdero poder de la música. El equipo de Lamont Dozier, y los hermanos Eddie y Brian entran de lleno en esa categoría firmando algunas de las canciones más famosas de toda la historia como este "Where Did Our Love Go" que hoy recordamos y que inicialmente estaba pensado para the Marvelettes.

Leela James - Fall For You (2014)

Sin duda uno de los pasajes más célebres de la Odisea de Homero es el referido a las sirenas. Circe, generosa y enamorada de Ulises, le advertía del peligro que supondría en su vuelta a Itaca escuchar el seductor canto de aquellas criaturas marinas. Encantaban a cuantos hombres iban a su encuentro, aquel que imprudentemente se acercaba a ellas y oía su voz estrellaba su navío contra los arrecifes y naufragaba al fin.

Salvando las distancias, la voz de esta californiana, aunque sureña artísticamente, siempre ha ejercido sobre mi ese impacto hipnótico y seductor, pero a diferencia del héroe legendario nunca quise ser atado a ningún mástil, siempre he preferido tirarme al mar y nadar hasta la orilla para poder mirar directamente a través de su voz a los ojos del soul, con resultados desiguales a lo largo de estos últimos años, pues no siempre arribé de su mano a mi Itaca prometida. Cuenta con una de las mejores voces del panorama actual, siempre empapada de emoción, con esos gruñidos suyos tan característicos, es una gran cantante -muy, muy buena-. No obstante, esa voz cruda conmovedora, sus actuaciones de alta energía y esa imagen de niña salvaje no han querido nunca encasillarse en ningún género o etiqueta en particular y han preferido volar en libertad.  

Fall For You supone su cuarto larga duración, el proyecto cuenta con colaboradores destacables como como Tim "El ARKITEC" Kelly, Joe Ryan III, Anthony Hamilton y los compositores Rex Rideout o Francci Richards por citar algunos nombres. En el apartado de la composición y de la producción excepto algunos guiños al sonido de la década de los setenta y ochenta no pasa de ser un disco genérico más, con un fuerte papel de la percusión, sin mayor atractivo, alejado del southern soul. Afortunadamente, las cuerdas vocales de Leela asumen desde el principio todo el protagonismo, todo lo demás resulta secundario y está al servicio de su conmovedora y potente voz que brilla con su despliegue creativo y su demostrada capacidad de control. Su rica y emotiva voz, junto con sus fuertes y personales letras deja en el oyente una impresión memorable y duradera, con su característica garra y entrega ardiente que fluye y nos guía de una pista a otra sin solución de continuidad. Ya he confesado en más de una ocasión que siempre la esperaré, que siempre habrá un hueco en mi agenda para ella, tiene potencial de sobra para regalarnos discos memorables porque sin duda nos encontramos ante una de la pocas esperanzas del rnb sureño que aspira a contener las hordas de voces femeninas sin interés que dominan el panorama actual .


Willie Jones - Fire In My Soul (2014)

"Más vale tarde que nunca", bien podríamos utilizar este dicho cuando queremos referir el lanzamiento del disco de debut de Wille Jones en solitario, a sus 77 años. Increíblemente tras más de 50 años en el negocio le llegó su hora como protagonista de su propia historia. Ha transitado por un largo camino en la escena musical nada menos que desde el año 1936, acompañó a los más grandes artistas de Atlantic Records (Jackie Wilson), y cantó como líder en el grupo de de doo-wop The Royal Jokers, su etapa más fructífera en la década de los cincuenta y sesenta, aún se conservan algunos de sus singles en los clubes.

El contrastado productor y compositor Jon Tiven que ha trabajado con una serie de cantantes veteranos del soul y, especialmente del blues, quedó impresionado por la voz de Willie, ha sido quien tuvo la idea de relanzar su carrera y finalmente le convenció para que fuera a Nashville a grabar su álbum debut en los estudios de Shout!/Cherry Red Records. En el colaboran otros artistas como Betty Lavette, Frank Black o Steve Cropper que -como en este caso- encontraron en su mano esa providencia que ha impulsado una carreras que se encontraban en un callejón sin salida. Fire In My Soul recoge hasta 15 cortes en la más evidente tradición del blues, soul y, cómo no, el añejo rnb en su versión más clásica. Por poner algún ejemplo, nos propone un sonido muy en el estilo del gran Bobby Bland o Johnnie Taylor (con Malaco Records) aunque su timbre de voz sea más suave y ligero que el tono más rugoso y áspero de los primeros. El álbum explora la alegría y el dolor del amor, la desesperación de la pobreza, la promesa de la salvación, etc ... en otras palabras, las líneas clásicas de la historia del soul apoyado en todos ese poso de experiencia vital que acumula, ha perdido en términos de rango vocal, pero aún sostiene su capacidad de transmitir una historia. Etiquetado como "the secret heart of Detroit Soul", el secreto por fin ha sido revelado para todo el mundo. La historia al fin, del triunfo de la paciencia y la persistencia frente a la apatía y el fracaso resignado. Se saluda y agradece oir de nuevo la voz de esta leyenda que ayudó a definir para siempre el sonido rnb en su más primaria versión.

Candi Staton - Life Happens (2014)

La carrera artísitica de esta nativa de Alabama se extiende por más de cuatro décadas, adornada con ciertos éxitos comerciales (no demasiados) como su remake de 1970 del clásico tema country "Stand By Your Man", por su hit de pistas de baile "Young Hearts Run Free" (1976) o el remix de "You Got The Love" (1991). Ni el divorcio ni la traición, ni los años perdidos en el alcohol (que finalmente la llevó a encontrar la salvación en la religión) agotaron su voz infatigable. 

Así es, parecía haber encontrado definitivamente su lugar bajo el sol en el género gospel, como cuando comenzó a cantar en la iglesia con solo cinco años de edad. De hecho ha sido incluida en el Christian Hall Of Fame,  aunque siempre su propuesta espiritual la combinaba adecudamente con el soul o el rnb. Inesperadamente, la edición del disco His Hands (2006) -muy próximo al estilo americana/roots- le ha abierto nuevas oportunidades, un espacio muy adecuado para que no se marchite su extraordinaria voz, mezcla conmovedora de euforia y dolor. Y es que, de hecho, Life Happens supone el tercer proyecto dentro de este género. Es una colección de catorce (más un bonus track)  buenas composiciones de southern soul (blues, country, gospel, soul y rnb) que nos hablan en clave autobiográfica del amor y desamor (y de algunos problemas sociales contemporáneos). Formando nuevamente equipo de composición con el legendario Rick Hall (mentor de FAME Records), como a principios de la década de los setenta. Producido por ella misma y su hijo Marcus Williams, la devuelve a sus inicios, a la magia del soul sureño de Muscle Shoals cerrando aparentemente un círculo en su trayectoria musical, todo un homenaje a sus raíces.

En este disco Candi da testimonio de las dificultades y las pérdidas que todos pasamos en nuestras vidas, la suya no ha sido precisamente un libro de cuentos de Cenicienta. Envolviendo su fuerte y conmovedora voz en torno a estas letras, teje su voz en nuestros corazones y almas, agarra nuestras emociones, exige que mantengamos los ojos abiertos a la vida que nos rodea y nos obliga vivir cada momento de nuestra vida plena y con propósito. A lo largo de su carrera, nunca ha grabado dentro de los estrictos parámetros de un solo género musical, siempre ha tenido un don para encontrar su lugar en la escena musical, ya sea cantando country, gospel, rnb, disco, o americana como en este caso. Pero lo más importante, ella es una de las voces que definen la música soul y que acumula tantos méritos o más que nadie en su empeño por divulgar al mundo toda la magia de nuestro género favorito. Soul is the answer!!

Bobby Womack: el mundo del soul llora su muerte

Jamás hubiera querido desayunarme con esta noticia, jamás hubiera querido escribir este post, pero uno de los artistas con el que mayor comunión musical he alcanzado nos ha dejado mientras preparaba un nuevo álbum, "The Best Is Yet to Come", en el que se rumoreaba que participarían Stevie Wonder, Rod Stewart y Snoop Dogg. Vaya este post a modo de modesto homenaje y reconocimiento.

El 4 de abril del año 2009 el legendario Bobby Womack fue incluido al fin en el Rock and Roll Hall of Fame, saldando en parte la deuda que teníamos con este nativo de Cleveland, uno de los artistas con mayor impacto en el mundo de la música y con menor reconocimiento de sus méritos que yo recuerde. Su inmenso talento como cantante, compositor, guitarrista y productor no le ha supuesto el lugar que merece en la música soul. Capaz de lo mejor en cualquier estilo: funk, soul, rnb y gospel, Bobby Womack es una figura clave que nos permite entender la transición del gospel de los 50, al soul de los sesenta y al funk de los setenta. Originalmente fue un protegido del mismísimo Sam Cooke que le descubrió cuando aún era un niño y formaba parte de un grupo de gospel The Valentinos junto a distintos miembros de su familia. La leyenda del soul los orientó hacia un sonido más secular, al tiempo que estaban de gira con el gran James Brown y conseguía su primer éxito "Lookin' For a Love". La muerte de Sam Cooke en extrañas circunstancias y la boda con su viuda sólo tres meses después alimentaron una reacción negativa del público que descarriló su carrera artística. Muchos lo veían como un oportunista a la sombra buscando dinero y el legado de Cooke.

Repudiado se refugiará en su faceta de compositor y guitarrista colaborarando con las estrellas más grandes (Wilson Pickett, Aretha Franklin, Sly Stone o los propios Rolling Stones) desdibujándose su carrera como cantante. Sin embargo, entre 1972-1976, apoyado en sus excelentes composiciones, obtuvo por fin fama y éxito con una propuesta alejada del sonido aterciopelado de Detroit o Filadefia triunfantes en aquel momento y más próxima al sonido sureño de Memphis (Aretha o Sam & Dave). Cuando sus adicciones y su incapacidad para adaptarse al nuevo escenario auguraban lo peor, fue capaz de editar el álbum The Poet (1982) donde los amantes del soul de siempre encontraron consuelo a sus penas con temas como "If You Think You're Lonely Now" o "Where Do We Go From Here". Editándose dos años más tarde la segunda parte (The Poet Vol. II). En los últimos 20 años, Bobby ha continuado grabando, aunque de manera esporádica, con buenos trabajos como Back To My Roots (1999) su vuelta al sonido gospel. Así pues, aunque reverenciado por los músicos del rock y del soul, solo atrajo el público amante del soul durante dos etapas muy concretas (1972-76 y 1982-85). En lugar de estar encadenado a un tiempo y un sonido su trabajo incluye todo: desde blaxploitation al más suave pop vocal. Sin embargo, la calidad de su composición y la singularidad de su emotiva voz hacen de él uno de los artistas más importantes soul de todos los tiempos.

Tras batallar contra algún tumor y diagnosticado de Alzheimer, este legendario artista aún tuvo arrestos para volver al duro trabajo de los ensayos, a los extenuantes conciertos, a retomar sus labores de composición e incluso anunciar la edición de un nuevo disco para este año. "Mi médico dice que tengo indicios de Alzheimer. Todavía no es grave pero asegura que va a ir a peor. ¿Cómo puedo haber olvidado canciones compuestas por mi? Resulta muy frustrante", reconocía el músico en la BBC el año pasado. Esa vuelta al trabajo le había devuelto la sonrisa al bueno de Bobby, "I Feel Great", sentenciaba en una reciente entrevista, con una voz ya ajada por los años pero aún ardiente, cruda y apasionada. Bobby es el perfecto cantante de soul porque sin estridencias, sin confundir como tantos cantar con gritar es capaz de transmitir todo el potencial emotivo y la pasión en su voz. Como ya he afirmado en tantas ocasiones, "Los jóvenes enamorados de esta música encontrarán en su extensa obra lo mejor que la música soul puede llegar a ofrecer. El mundo del soul llora su muerte, pero tú aún estás a tiempo: Hazte un favor y pon a Bobby Womack en tu vida, yo ya lo he hecho y soy un poco más feliz". Gracias por todo, te echaré mucho de menos.

AJ and the Jiggawatts - AJ and the Jiggawatts (2014)

Desde que uno escucha los primeros compases de su disco de debut homónimo, puede afirmar que AJ & The Jiggawatts juegan duro a la vez que resultan gamberros y divertidos, dibujando una marcada línea divisoria respecto a la mayoría de artistas del género, en un mundo en el que el soul a medio tiempo permea las ondas. Este combo, el último proyecto de la etiqueta de Nashville G.E.D.Soul Records, golpea más fuerte, más rápido y más contundente que la mayoría de bandas actuales. Nos sirven sobre la mesa una rebanada elaborada de retro funk/rock con notables influencias de James Brown o The Meters.

Los aullidos vocales del cantante AJ Eason fuertemente reverberados (quizás en exceso aunque a cambio le otorgan ese toque retro), acompañados por una banda que le acompaña perfectamente con melódicos altamente sincopados, a una velocidad vertiginosa a la vez que mantienen sobre el escenario una rigidez casi inhumana. Mezcle todos estos elementos en un vaso alto con un poco de rock y ya tienes los ingredientes para degustar un cóctel de crudo soul/funk. Y es que este disco captura el ambiente de una noche de alta energía, una noche salvaje con la banda en la ciudad, transportando al oyente, con sus alegres riffs de guitarra, a los muchos garitos de Memphis empapados en ginebra o bourbon. Afirman tener un segundo álbum preparado, que tiene un ambiente diferente, con mayor protagonismo de la sección de metales, con un papel secundario en este trabajo, que pudiera concretarse en los próximos meses. Por el momento disfrutemos con este su interesante primer trabajo.

Joe - Bridges (2014)

Joe domina el negocio del rnb desde hace más de dos décadas, sin mostrar apenas signos de decadencia, editando con regularidad buen material, repitiendo fórmulas y estructuras: voces cristalinas y sofisticada producción más propia de épocas pasadas que se han convertido en marca de la casa. Sólo un año después del lanzamiento de su aclamado álbum DoubleBack: Evolución de R&B, el artista nativo de Georgia vuelve con Bridges, su undécimo álbum de estudio. El nuevo trabajo incluye “Mary Jane” y “Love & Sex” dos temas presentes en el álbum anterior que en esta ocasión se reeditan como remixes, de la mano de 50 Cent y Kelly Rowland, respectivamente.

Los deiciséis cortes que integran el disco se pueden dividir con manifiesta claridad entre temas uptempo (el pegadizo "Future Teller") y baladas tradicionales en el más puro classic crooning (“Till the Rope Gives Way"). Como siempre, se muestra vocalmente impecable, con ese sedoso timbre tenor que siempre es una garantía de sonar suave y sexy al mismo tiempo. En un mundo musical inmerso un acelerado proceso de cambio continuado, el ofrece certidumbre, estabilidad, confianza y tranquilidad a sus oyentes. Si la fórmula funciona para qué cambiar pensará, en su último disco vuelve a capturar la esencia del estilo que le ha definido como artista y que le ha procurado ventas millonarias y el favor de buena parte del público. Ciertamente, el álbum se hace demasiado largo y plano, le faltan un número mayor de temas destacables que se salgan de la norma. Hay destellos de innovación en el track "Love Sex Hollywood" (Prince) pero por lo demás el álbum es simplemente más de lo mismo. Eso sí, "ese más de lo mismo" sigue siendo mejor que la mayoría del rnb que se edita y se escucha durante todo el año. Estamos ante uno de los artistas más coherentes en el género del rnb de los últimos años, permaneciendo fiel desde sus comienzos en 1993 a una fórmula, a un sonido. No ha pretendido reinventarse continuamente cada poco tiempo como quienes persiguen ser siempre relevantes en un mundo musical en continuo cambio. De esta manera Joe ha mantenido intacto un público fiel -especialmente el femenino- sin tener que cambiar radicalmente su estilo.

Ray Frazier & the Shades Of Madness - Ray Frazier & the Shades Of Madness (2014)

Jazzman Records es uno de esos sellos discográficos a los que tanto debemos los aficionados a la música negra. Ha estado en el negocio desde el año 1998 especializádose en reediciones de artistas y temas tanto en el ámbito del jazz, del soul o del funk. Toda una red mundial de entusiastas coleccionistas, distribuidores e investigadores avalan la reputación de este sello británico por hacer las cosas siempre bien, por el amor que demuestran por la música, por el cuidado que ponen en todos los detalles y por su maldito buen gusto. No es exagerado afirmar que cada nuevo lanzamiento pueda llegar a ser considerado como un objeto de colección por derecho propio.

Últimamente se han mostrado muy activos buscando por todo Estados Unidos propuestas de interés más allá del ámbito del jazz y que felizmente recuperan para el mundo entero. En esta ocasión, el radar detectó su objetivo en el estado de California, resucitando a Ray Frazier & the Shades Of Madness,  uno de los artistas por descubrir en el ámbito del deep funk y el northern soul de los años 50, 60 y 70, cuyo legado apenas si ha sido explorado hasta ahora. Con la personalidad de James Brown tanto en la ética de trabajo como en su presencia en el escenario se llegó a hacer un nombre en la comunidad próspera de L.A. Esta colección de seis temas (seis singles repartidos en tres discos) captura la esencia de este polifacético cantante y compositor (y actor), incluido el single “My Baby’s Hand”, pieza buscadísima por coleccionistas cuyo precio suele ascender a precios de cuatro cifras. Cada uno de los cortes incluidos en esta edición son verdaderas joyas,  todas ellas buena muestra de la enorme dimensión de su herencia a pesar de su corta trayectoria. Por cierto, es de obligada visita consultar el fabuloso catálogo del sello www.jazzmanrecords.co.uk

The Impellers - My Certainty (2014)

El rotor (impeller) del motor a reacción que supone el sonido funk de esta banda británica se ha puesto de nuevo en marcha. El esperado tercer trabajo pone en esta ocasión rumbo hacia nuevos destinos, explorando nuevos territorios, aunque siempre en la órbita del funk. A los mandos de la nave integrada por 10 tripulantes de cabina se encuentra el capitán Glenn Fallows, un experimentado compositor, productor y multiinstrumentista, verdadero alma mater del grupo desde el año 2007.

No hay duda de que el combo de Brigthon pretende reinventar en esta ocasión ese sonido característico de los dos discos anteriores: eran algo así como la versión británica del grupo norteamericano Breakestra. Su seña de identidad ha sido hasta ahora la particular energía con la que interpretan el deepfunk y el soul, apoyados en la infalible y potente voz de la vocalista Clair Witcher. Una banda que se sentía a gusto con la vertiente más sucia del funk y la faceta más cruda y energética del soul. En esta ocasión, nos encontramos con un par de baladas sentimentales, soul folk acústico o un poco de rnb, alejándose notablemente, tanto en el ámbito de la música como de las letras, del planteamiento inequívoco de trabajos anteriores. En definitiva, James Brown sigue estando ahí, pero se difumina en esta fusión entre estilos e influencias retro (Stax, Motown, Atlantic o incluso Chess Records) con otras más modernas (breakbeat, hip hop, broken beat, afrobeat...), obligando a la vocalista a realizar un notable esfuerzo por mantener el tipo en cada estilo. Ellos consideran que se están anticipando al futuro, y nos aseguran de que su nuevo sonido lo podemos considerar como modern funk... Personalmente no me convence demasiado, me llenaba más su anterior apuesta por el dep funk, pero respeto su deseo por avanzar artísticamente. En todo caso siempre encuentras suficientes razones en los magníficos riffs de guitarra, la potente sección rítmica o la estupenda y poderosa voz de Clair como para poder disfrutar de momentos magníficos en un disco que en conjunto quizás no funciona perfectamente pero que al detalle gana valor. Thanks to Jada Willwork4funk

Avery Sunshine - The SunRoom (2014)

Denise Nicole White es una artista especial. Bendecida con un talento vocal excepcional que durante demasiado tiempo pasó desapercibido para todos nosotros prestando su voz para toda una pléyade de estrellas. Afortunadamente, hace cuatro años consiguió editar un magnífico disco de debut (en su propio sello independiente) y a partir de entonces dejó aparcado, aunque fuera solo en parte, un desafortunado anonimato. 

Su aparición en escena fue toda una bocanada de aire fresco. No todo el mundo es capaz de exhibir tanto talento, verdad, honestidad y carisma desde el momento en que la primera nota resuena en tu tímpano y corazón. Ahora ya es conocida por sus convincentes actuaciones en vivo, sus grandes composiciones, su virtuosimo en el manejo del piano y, como no, por la dulzura de su voz. Éramos muchos los que esperabamos con impaciencia su nuevo trabajo. La espera ha terminado, después de cuatro largos años ha editado The Sunroom, bajo el sello Shanachie, lo que quizás suponga el definitivo espaldarazo para este auténtico talento minusvalorado de la música. En este su segundo trabajo, de nuevo junto a su socio musical (Dana Johnson) se propone (o le ha propuesto la discográfica, vaya usted a saber) llegar a un público más amplio y diverso. Para ello nos ofrece diez sugerentes composiciones entre los que se incluyen divertidos cortes uptempo, conmovedoras y preciosas baladas y algunos temas memorables más próximos al género gospel, con una acertada mezcla de sonido retro y contemporáneo, sin que afortunadamente caiga en las garras del hip hop y el autotune. Aunque carezca de la profundidad y el tono artístico de su disco debut, aunque el disco suena demasiado plano, aunque se eche de menos un mayor protagonismo del piano en el apartado instrumental, aunque en definitiva el resultado final está por debajo de su potencial talento, su música aún resulta lo suficientemente conmovedora cuando su maravillosa voz brilla una y otra vez cada vez que asoma entre las notas musicales de cada canción. Con diferencia lo mejor del disco.


Tristan - Full Power (2014)

Tristan no es un proyecto improvisado, con sede en Holanda reúne a un grupo completo y excelso de músicos europeos que han tocado juntos desde hace más de una década, a los que se le une la brillante y eficaz vocalista Evelyn Kallansee. En efecto este grupo -cuyo nombre hace referencia al hijo de uno de sus fundadores (Sebastiaan Cornelissen)- ha estado en el negocio desde 2003, durante todo este tiempo que media entre el inicio de su andadura y este álbum de debut que hoy comentamos los han dedicado a perfeccionar y pulir su sonido. Y eso se nota -y mucho- en el magnífico apartado intrumental de este álbum.

Full Power se puede etiquetar básicamente como sonido acid jazz es decir música fusión que desborda guitarras rítmicas, sintetizadores hammond, sección de viento y cuerda, coros, en definitiva un sonido más propio de bandas como Brand New Heavies o Incognito en la década de los ochenta y noventa. Pero no se quedan ahí, al mismo tiempo, captan la esencia del pop/rock la década de los setenta (Toto, Steely Dan o Tower of Power) y la incorporan a su sonido. Todas ellas son influencias que se fusionan en Full Power para ofrecernos una atractiva propuesta: buenas composiciones, interpretadas por grandes músicos y una competente y cautivadora vocalista. Toda una alternativa orgánica, refrescante que siempre transmite energía y buenas vibraciones felizmente alejada del auto-tune y la locura rítmica robótica actual. Un álbum sólido, combinando ritmos funky con voces soul. Y es que la buena música no tiene fecha de caducidad, puede ser producida en cualquier lugar, siempre que la intención, el compromiso, la pasión y el respeto estén ahí. Full Power te engancha irremediablemente con la primera escucha. Toda una agradable sorpresa, ojalá no tengamos que esperar otra década más para saber de ellos..

José James - While You Were Sleeping (2014)

De todos es sabido que José James no es un artista al que uno pueda encajar fácilmente en una categoría o género musical determinado. Tampoco se le puede considerar como un artista predecible pues cada nuevo disco alumbra una sorpresa. Habitúa a mostrarse vocalmente relajado, maduro y con una capacidad de control insuperable con su característico barítono conmovedor. El es, sin duda, un artista único y especial.

La pregunta que seguro todos nos hacemos es si este nativo de Minneapolis sería capaz algún día de ofrecernos no ya algo malo sino simplemente mediocre, porque nos tiene muy mal acostumbrados, con tanto talento, calidad y sensibilidad que desbordan sus discos. Su último trabajo, el segundo bajo el sello Blue Note, no obstante arroja siembra dudas más que razonables acerca de la supuesta infabilidad de este inopinado cantaautor. Ciertamente, el disco lleva impregnada la inequívoca firma del artista, con esa característica mezcla de hip-hop, rnb y jazz; pero, en esta ocasión, señala una nueva dirección creativa adentrándose en el mundo del folk, del rock e incluso de la música electrónica, nuevos horizontes que en esta ocasión no tengo muy claro que quiera recorrer de su mano. Bajo la producción de Brian Bender y el propio artista, acompañado nuevamente por esa banda de músicos minimalista que le viene confiriendo un seño de identidad y a la que ha querido otorgarle un mayor protagonismo en el papel creativo (es decir, -Kris Bowers (teclados), Solomon Dorsey (bajo), Richard Spaven (batería)- a los que se unen en esta ocasión las colaboraciones puntuales del guitarrista Brad Allen Williams en los cortes más rockeros, la vocalista Becca Stevens (en el dueto "Dragon") o el trompetista Takuya Kuroda en el tema que cierra el disco, una versión del clásico de Al Green "Simply Beautiful". 

Un mayor protagonismo de la guitarra eléctrica ha endurecido notablemente su sonido , no cabe duda, pero no es ese el problema. La cuestión es que sus raíces solueras quedan más difuminadas que en trabajos anteriores. Siempre he admirado su enfoque audaz para hacer música, siempre conocedor de los límites de la experimentación, siempre a la búsqueda de nuevos horizontes musicales; asumiendo riesgos y en constante evolución, difuminando los límites entre los géneros en todo este proceso creativo. Afirmaba recientemente en su propia página web "As an artist, I’m going to keep evolving,”, “I think my fans have now come to expect this from me. They want to know what I’m going to do next"... todo eso está muy bien, pero While You Were Sleeping nos demuestra que la fusión entre géneros musicales no siempre funciona. Si además se aleja en demasía de las influencias del soul, precisamente el aspecto de su propuesta que más me une al artista, puedo entender fácilmente que no haya disfrutado con su último trabajo.

Sunnare - Unlocked (2014)

En esta coyuntura de crisis e incertidumbre que nos ha tocado vivir, de "malos tiempos para la lírica" -si se me permite la expresión- los artistas noveles no lo tienen nada fácil a la hora de conseguir el necesario apoyo financiero que les permita visualizar en formato físico la ilusión de toda una vida. Últimamente a través campañas de micromecenazgo ("crowdfunding") se cumplen algunos sueños, como en el caso del lanzamiento del primer trabajo de Sunnare, un grupo madrileño preñado de esa primaria ilusión, una apuesta personal de este servidor.

He creído en ellos desde el principio y he tenido el honor de colaborar y apoyar humildemente en el nacimiento de su primer trabajo "Unlocked". Después de escuchar los diez temas integrantes de su disco de debut, puedo afirmar que mi corazón, una vez más, no se equivocaba. No obstante, llegados a este punto honestamente creo que no sería demasiado ético por mi parte que firmara una de mis habituales reviews loando las excelencias del disco cuando entre los créditos del mismo figura el nombre de este blog. Cuestión de principios que diría uno. Tampoco tendría demasiado sentido negarles este espacio de difusión, máxime cuando han firmado un trabajo con la suficiente calidad, independientemente de las circunstancias referidas. Atrapado en este dilema, he optado porque sean terceras personas no implicadas emocionalmente quienes refieran el disco. Por ejemplo, se me ocurre citar las más asépticas (pero acertadas) palabras que mi compañera Victoria Bioque escribió sobre ellos cuando fueron elegidos para poner banda sonora a la nueva campaña de Springfield, un primer paso importante para consolidar su proyecto aún todavía nonato.

"Sunnare es una banda madrileña de NuSoul influenciada por los sonidos de la música negra, que completa su esencia con matices de otros estilos conformando un sonido limpio y natural. El proyecto nace en el año 2012, fruto de las inquietudes musicales de cuatro músicos con trayectorias e influencias diferentes, y desde entonces no ha parado de crecer, sonando en los escenarios de la capital y en algunos festivales. En estos directos ofrecen un repertorio compuesto principalmente de temas propios, que invitan al público a internarse en una música llena de emoción que no deja impasible a nadie. Gracias a su potente groove, sus armonías cuidadas, sus letras directas y cercanas, y la voz fresca de Eva Mena, Sunnare se convierte en una apuesta musical a tener muy en cuenta en el panorama nacional. [...] “Unlocked” es el resultado de mucha ilusión y mucho trabajo, y contiene diez cortes que resumen el espíritu y la filosofía de la banda, con un sonido contundente y elegante".

Solo me queda añadir que las bandas emergentes buscan -casi con desesperación- darse a conocer y que las escuchen, conseguir al final esa necesaria visibilidad en una época en la que discográficas, promotores y salas solo apuestan por carteles conocidos. Musicasoul quiere y puede servir de plataforma para los músicos que comienzan y tienen algo digno que ofrecernos en clave soul. En este caso, la dulzura y la cristalina mirada de Eva, toda esa simpatía que irradia su eterna sonrisa suponen el compendio perfecto, la mejor síntesis de todo el buen rollo que desprende este proyecto. Alejados del sonido sucio y el trepidante ritmo del deep soul/funk tan en boga en estos momentos, este cuarteto nos propone como alternativa una música amable, dulce, positiva y elegante, mezclando elementos propios y diversos del amplio espectro de la música negra (soul, funk, rnb e incluso hip hop) con estructuras quizás más próximas al pop. Melodías sencillas y reconocibles, cuidados arreglos, una producción límpida y, ante todo, buena gente (y gente buena) que nos propone un disco que desborda toda esa ilusión y respeto que muestran sus integrantes por su profesión y por la audiencia. Aún tienen que crecer, pero os confieso que me encantan estos chicos, me han llegado al corazón ¿No se nota?.

http://sunnare.bandcamp.com/
https://www.facebook.com/SunnareBand

Lee Fields - Emma Jean (2014)

Cuentan las crónicas que era un bochornoso lunes, en un estudio enterrado dentro de un viejo almacén (estudios de Dan Auerbach), cerca del puente de Queensboro (Nashville), donde parecía estar en marcha una sesión de grabación de música soul de los sesenta. Una banda de músicos (the Expressions) tocaban de manera  conjunta, en lugar de grabar individualmente cada parte por su cuenta, como suele ser habitual.

Al otro lado del cristal, había un ordenador Apple junto a la mesa de mezclas de 16 pistas, pero la música se está grabando en la cinta en lugar de un disco duro. A los mandos de la producción el conocido team neoyorkino Leon Michels y Jeff Silverman que en las últimas dos décadas se han construido una reputación como los chicos a quienes acudir si que quiere grabar discos que suenen con la autenticidad del soul sesentero o setentero (Aloe Blacc). Junto a ellos, Lee Fields, un cantante entrado en años, guía con su voz (y su corazón) a la banda para mantener de manera precisa el ritmo, no es necesaria ninguna caja de ritmo ni cualquier otro artificio tecnológico. Se está grabando Emma Jean, el último trabajo del nativo del estado sureño de North Carolina.

No es uno de tantos neófitos y conversos por interés que últimamente se suben al carro del retrosoul, asumen la pose Motown y simplemente esperan que la mercadotecnia haga el resto. Lee lleva cuatro décadas entre nosotros fiel a un estilo, erigiéndose en los últimos años en una de las figuras de referencia del género. Paradójicamente, quién es el espejo en el que muchos se miran, ha optado en su último trabajo por darle un empujón a su carrera ofreciéndonos algo diferente, una creativa mezcla entre lo moderno y lo tradicional. Emma Jean (título adoptado en honor a su madre) no resulta fácil de definir o etiquetar. Suena como una grabación de las de antes pero no es un disco soul sesentero al uso, añade elementos modernos de country-soul y blues-rock, alejándose claramente del áspero y estridente funk de su cautivador My World (2009), dándole mayor protagonismo al histórico sonido Hammond B3. Ha forjado un sonido soulful distinto, único, que no imita el sonido Motown, Fortune, Stax o Filadelfia, sino que crea una música que desciende lógicamente de esos linajes, mostrándonos de manera descarnada qué es la música negra.

En su quinta década en el negocio musical, con más de 15 álbumes editados, con el éxito tardío pero conseguido, Lee apuesta por ofrecernos algo distinto, personal, único y de calidad. Él representa como pocos la pasión, la esencia de la música soul/funk: energía, emoción pura y ritmos sexys. Cuando Lee Fields se sitúa delante de un micrófono, pone todo su corazón, alma y mente en todo lo que canta.  No sólo es fantástico escuchar el talento innegable del cantante, la ferviente pasión que inyecta en cada nota cantada, sino que su maravillosa banda -en el más puro estilo Dap Kings- con su percusión, metales y sus cuerdas apoyan lo suficiente a la voz Lee que asoma estupenda detrás de esa áspera línea del bajo. Es evidente que Emma Jean es el trabajo de un hombre que no tiene miedo de correr riesgos, incluso si el riesgo puede pesar más que la recompensa, como ya  le ocurriera en su desafortunado disco Treacherous (2011).

The Buttshakers - Night Shift (2014)

Nigh Shift, el segundo trabajo de este grupo francés tras su EP de debut "Wicked Woman" 2013, puede considerarse como un descendiente directo de la música americana de los años setenta. Un disco editado bajo el sello Copase Disques que pretende hacerse eco de todo el rock, funk y soul de aquellos años explosivos, un álbum realmente lleno del espíritu de libertad y creatividad que entonces se cernía sobre la música.

Las influencias son amplias y diversas, por momentos recuerdan a nuestros The Sweet Vandals o The Excitements, aunque en mi opinión se muestran menos comprometidos con el sonido vintage. Un sexteto liderado por la poderosa y carismática cantante Ciara Thompson, una diva del gospel norteamericana que se incorporó al grupo tras el abandono de la anterior vocalista. Todo un torbenillo sobre el escenario, una especie de alter ego de su paisano Black Joe Lewis. Night Shift nos propone temas más propios del indómito y salvaje funk/rock donde la cantante nos entrega toda su energía y potencia vocal ("Night Shift" o "The Girl Can't Dance") como "Only Your Love", una estupenda balada, canciones más tranquilas y próximas al sonido Motown donde Ciara muestra su lado más encantador, conmovedor y sensual. Apoyada en una sección de metales maquiavélica, una sección rítmica frenética impulsada por esos riffs de guitarras, auténtica medicina contra el reumatismo. Doce temas inspirados en las mejores producciones de la época, un refrescante y divertido retorno a las fuentes del sonido negro convenientemente aderezado con la potencia del rock. Siempre conmovedores y llenos de energía contagiosa The Buttshakers son capaces de arrastrar a cualquier tipo de público: Inspira tanto al amante del rock, los mods, sonido garaje o simplemente todos aquellos amantes de la música soul. Sin duda uno de los grupos más inusuales de la poblada escena europea retrosoul.

George Jackson - The Fame Recordings Vol. 3 (2013)

Muscle Shoals es un pequeña localidad sita en una esquina al noroeste del estado de Alabama, en su apogeo, a mediados de los años setenta, llegó a ser el hogar de hasta ocho estudios de grabación. Entre los cuales se encontraban los legendarios estudios FAME (Florence Alabama Music Enterprises), pioneros en una localidad que se convertiría en deseada meca para los artistas rhythm and blues, rock, pop y country. En su época de esplendor y gloria se respiraba un ambiente único y especial en el número 603 de la calle East Avalon

Hago este recordatorio para referir la edición de la tercera (y en principo última) entrega recopilatoria de temas grabados por el propio George Jackson en aquellos míticos estudios. Un artista venerado en los círculos selectos de amantes del southern soul, mayormente en su faceta como talentoso y prolífico compositor (se le atribuyen más de 300 canciones). Este estupendo álbum recoge hasta 24 tomas originales e inéditas de canciones que el artista grabó junto a the Swampers (y sus sucesores The Fame Gang). Aunque hay un puñado de canciones familiares por las versiones que en su momento hicieran otros grandes artistas, a diferencia de los dos recopilatorios anteriores, la mayoría de los cortes, auténticas joyas, fueron grabadas únicamente por George. Todos seguramente habrían sido éxitos y podrían haber hecho de él una estrella de nivel similar a sus pares si no hubiera primado la labor de compositor por encima de su faceta como intéprete de sus propios temas. Una pena porque era también un estupendo cantante. La muerte inesperada de George Jackson hace poco más de un año nos dejó un poco más huérfanos, ese día, el Southern Soul perdió a uno de sus hijos más talentosos y a uno de los hombres que hicieron de Fame Recordings una de los más grandes marcas de la historia. Afortunadamente estos discos nos proporcionan todo un arsenal de canciones dignas de ser recordadas y que permiten mantener vivo el nombre de este héroe perdido para la causa. Resulta difícil comprender como no tuvo un mayor éxito con tanta música de una calidad excepcional. Repasar su discografía es verdaderamente emocionante. Házte un favor, pon a George Jackson en tu vida

Curtis Harding - Soul Power (2014)

El hecho de que sea el sello angelino Burger Records, especializado en garage punk y rock, quien haya editado este disco a principios de este mes, solo nos da una idea más bien engañosa del tipo de propuesta ante la que nos encontramos. Ciertamente hay cortes en el disco ("Drive My Car") y arreglos instrumentales claramente alejados del planteamiento de este espacio musical. También es cierto que el álbum se mantiene a un ritmo upbeat constante, pero Curtis sabe en todo momento aprovechar el viejo soul del pasado sin pretender imitar ni mucho menos pisotearlo, engranando el espíritu de la música negra de ayer con la realidad de hoy.

Su álbum de debut se inicia a una velocidad más lenta, con letras sinceras y voces más calmadas y dulces ("Castaway" y "Next Time"), para luego, de repente, transitar hacia la parte más indómita del disco, repleta de un ritmo estimulante apoyado en esa voz ronca, potente e incluso bravucona. Su fraseo es cálido, flexible y expresivo sin hundirse en la vocalización frenética e histérica que domina el rnb del siglo XXI. Hay una conexión personal y un evidente homenaje a algunas de sus influencias: BB King, Otis Redding, Sam Cooke y Bo Diddley, las líneas entre el soul, el blues, rock y RnB están difuminadas entre tanta presencia de las guitarras. Son a menudo solo matices, más una sensación que una forma, dándole al álbum en general uno de los sonidos más cohesivos del año... ello en último término explicaría su presencia en este espacio. Cada canción en el álbum te puede resultar familiar, pero su gran acierto ha sido hacerlo nuevo y emocionante. En momentos en que los hipsters han descubierto retro-soul, el disco de debut de Curtis es un soplo de aire fresco: talento, frescura de un artista, a pesar de que el sonido de estas canciones nos remontan a décadas pasadas no pretende reproducir servilmente el pasado. En definitiva Soul Power es un título muy apropiado, nos propone un sonido único, ecléctico y fresco que captura el espíritu del rnb de siempre Después de haber trabajado con OutKast y Cee Lo Green parece haber encontrado un nicho de mercado entre el pop, rock y el viejo rnb casi inexistente en la actualidad.

Mr. President - Hips Shaking (2014)

Mr. President es el alter ego del proyecto funk de Bruno "Patchworks" Hovart, productor y multinstrumentista francés. Y es que al parecer este bajista y guitarrista se encuentra más cómodo escondiendo todo su talento detrás de un seudónimo. A todos nos sorprendió muy agradablemente su primer trabajo Number One (2011), en esta ocasión redobla su apuesta y como muy bien indica su nombre, el disco indudablemente te hará mover las caderas.

Nueve canciones en total henchidas con aquellos riffs maravillosos de guitarra que te recuerdan la época dorada de la música disco-funk de los años setenta y ochenta como ya nos adelanta el propio título del álbum. Pero en esta ocasión ofrece algo más, ampliando la gama de sonidos respecto a su trabajo anterior, especialmente hacia el mundo del pop, electrónica y dando pasos hacia adelante mediante una producción más elaborada de la sección de metales y cuerda. En definitiva, sonido auténtico pero con un enfoque más moderno. Con la excepción de algunos temas dance quizás redundantes, Hips Shaking aún atesora el suficiente talento y calidad para que los devotos más fanáticos del funk puedan estar cómodos con el álbum, sin reproches de gran importancia ante la gran ejecución del artista. Un disco que es un verdadero regalo para quién lo sepa apreciar y que puede ocupar en tu colección un lugar preferente en tus estanterías entre tus discos de Roy Ayers, Isaac Hayes, Curtis Mayfield, MFSB o The Isley Brothers.


Third Coast Kings - West Grand Boulevard (2014)

Antes de convertirse en un páramo post-industrial en bancarrota financiera, la ciudad de Detroit era famosa por dos cosas: ser un centro tanto para la fabricación en masa de automóviles (Motor City) como para la producción masiva de la música soul y el funk (Motown). La carretera de West Grand Boulevard atraviesa la ciudad (como se puede comprobar en la portada del disco) y ahora sirve de inspiración para el nombre del segundo larga duración de esta banda.

Grabado en la ciudad norteamericana de Michigan con toda la banda completa en una habitación, haciendo uso de una cantidad mínima de efectos o procesamiento de la voz y los instrumentos, de la mano del muy respetado productor de funk Nate Goldentone (The Liberators, Dojo Cuts), West Grand Boulevard es el esperado nuevo álbum de uno de los mejores combo de funk actuales. Su álbum homónimo de debut (el nombre de la banda hace referencia a los Grandes Lagos de Detroit, de donde son oriundos) impresionó a las huestes más puristas, obsesionados como están con capturar de la mejor posible la esencia más cruda y auténtica de la música. Ahora los chicos están de vuelta, de nuevo del fabuloso sello Record Kicks, con una misión: portar la antorcha de la herencia de ese deep funk apretado por todo el planeta viajando en el tiempo hasta la década de los sesenta y setenta.

Ellos conforman una banda poderosa, sólidos como conjunto (bajo, metales, sección rítmica) pero también brillantes en el plano individual. De hecho, son en los números instrumentales en los que la banda suena más a gusto, pero también nos ofrecen interesantes cortes vocales de la mano nuevamente de los competentes vocalistas Sean Ike y Michelle Camilleri que aportan ese toque soul que le viene muy bien al trabajo. El material original contiene sobredosis incendiarias y explosivas de retro-funk, soul y rnb (con incursiones hacia los territorios del jazz) con una energía, entusiasmo e inteligencia acordes a su prometedora carrera. El disco tendría que incluir una etiqueta en la que advirtiera al comprador que se requiere estar en plena forma para poder aguantar la subida de adrenalina que procura desde la primera nota hasta la última, un trabajo realmente agotador para el oyente. La espera ha terminado, el álbum rezuma energía e imaginación, honrando a sus evidentes influencias mientras suena fresco, vivo y divertido. Thanks to Jada WillWorkForFunk

Incognito - Amplified Soul (2014)

Si uno piensa en algunos de los grupos más consistentes de la últimas décadas en el mundo de la música no puede dejar de considerar la candidatura de este formidable grupo británico, independientemente de los gustos que tenga cada cual. Liderados por el prolífico Jean-Paul “Bluey” Maunick, verdadera alma mater, esta legendaria banda de acidjazz celebra su 35 aniversario entre nosotros de la mejor forma posible: editando un nuevo disco, Amplified Soul, su decimosexto álbum de estudio.

Quienes visitan este espacio desde hace tiempo, saben muy bien que este icónico grupo es una de mis mayores y reconocidas debilidades, que hubo un antes y un después en mi vida (musical) tras escuchar su fabuloso álbum Positivity (1993). Creo que ya desnudé mis sentimientos y la gratitud que les profeso en anteriores entradas... a ellas me remito en esta ocasión, no quiero resultar cansino. Su nuevo trabajo, editado esta misma semana, no es sino otra muestra más de todo el talento que atesora este auténtico visionario del mundo de la música, toda una celebración generosa (incluye 16 temas) y festiva de la música. Y es que Maunick sigue avanzando sin inmutarse con el poderoso sonido de la banda. Su demostrado talento como compositor y productor siempre ha sabido rodearlo de un elenco de vocalistas capaces y eficaces (en esta ocasión repiten Vanessa Haynes y Tony Momrelle, bien acompañados por Katie Leona, la joven Chiara Hunter, junto con las aportaciones puntuales de Deborah Bond, Carlene Anderson e Imaani).

Por momentos, el álbum evoca al sonido de los setenta (Stevie Wonder), nos recuerda puntualmente a Erykah Badu o incluso a Pharrell Williams en alguno de los cortes, tal es su diversidad y riqueza, pero indudablemente suenan a... Incognito. Han pasado más de tres décadas y fiables como siempre su sonido sigue siendo un seguro de vida, auténticamente reconocible, marca de la casa, tan actual como el primer día. Aunque quizás le falte un tema estrella más allá del pegadizo primer single, la verdad es que el álbum está lleno de momentos memorables, de melodías con gancho suficiente o de voces brillantes y seductoras (particularmente acertados Vanessa y Tony). Canciones uptempo, baladas, temas instrumentales, fantásticas voces, buenas composiciones, elegantes arreglos, cuidada producción, ese fantástico mestizaje de jazz, funk, soul, dance, rnb, ritmos latinos... ¿Hay quién de más? Hay amores para toda la vida... Es evidente que no es el mejor trabajo de su larga trayectoria pero mi idilio musical con esta fabulosa banda británica supera las tres décadas y se mantiene desde entonces prácticamente intacto.


Gil Scott-Heron - Nothing New (2014)

El pasado 19 de abril, coincidiendo con el Record Store Day, se editaba una edición limitada de 3.000 copias de este disco, disponible sólo en formato vinilo. Sin duda, una buena manera de conmemorar el día y de recordar la figura de este poeta-músico y de todo su legado, particularmente importante en el mundo del rap y el hip hop.  Gil escribió poemas que sonaban a canciones y grabó canciones que se basaban en sus poemas y escritos. Para muchos se convirtió en un héroe, sobre todo por su comprometido activismo político-social.  

Y es que en su obra la rabia era una constante, una rabia bella, una ira apasionada, a menudo torpe, triste, pero siempre conmovedora. Ese era su estado de ánimo generalizado, el tema y la sensación que te queda escuchando su obra. Nothing New es el título acordado por el sello discográfico XL Recordings para este álbum póstumo del artista nativo de Chicago en el que se recogen un total de diez temas, todas ellas grabaciones realizadas entre 2005 y 2009 junto al productor y dueño de la discográfica Richard Russell. Así pues, como reza el tíulo del trabajo, no hay ningún tema nuevo, son versiones de una selección de canciones editadas durante el periodo comprendido entre 1971 (Pieces of a Man) y 1994 (The Other Side), haciéndose acompañar su voz únicamente por un piano. Un cierre hermoso para una carrera musical brillante. La voz de Gil se muestra ya rota, de hecho, su propio cuerpo acusaba los efectos de una enfermedad que le acosaba durante dos décadas, y es que paradójicamente había sucumbido a los demonios respecto de los cuales nos había advertido a lo largo de su vida. No obstante sus palabras aún resuenan profundamente sobre nosotros, desollando sus canciones hasta el hueso como sólo él era capaz de lograr. Le debía una entrada al bueno de Gil, la deuda está saldada.

Laura Rain & the Caesars - Electrified (2013)

Esta banda formada hace un par de años y con sede en Detroit nos propone una mezcla de soul y blues única, liderada por la voz carismática y ardiente de la cantante. Su interesante trabajo de debut contiene guiños al Memphis Soul, Chicago Blues o Motown Funk pero desde una perspectiva o enfoque moderno. El productor/guitarrista George Friend -quien ha coescrito junto a Laura los diez temas- se ha convertido en el cómplice perfecto (junto a la banda), en el necesario catalizador para su estilo y poderío vocal desenfrenado, a pesar de la formación clásica de esta diva en ciernes.

Su faceta más soulera nos recuerda a Aretha Franklin, sus inflexiones de blues traen a la memoria a Etta James, Chaka Khan se aparece en los momentos más funky del disco. La verdad es que tienen una rara habilidad para evocar durante los 47 minutos el soul, el funk, el rnb de los años sesenta y setenta, mientras que al mismo tiempo suena totalmente bluesy y rocky. Es evidente que aún está tratando de forjar su propio estilo y personalidad, no obstante todo está en su sitio y realmente funciona porque el trabajo rebosa honestidad, autenticidad, vitalidad y frescura. El sello cálido y elegante de la cantante, la convierte en una estupenda maestra de ceremonias inundando el álbum con su talento y su carisma junto a la auténtica declinación blues y rnb en la guitarra de George. El trabajo dista de ser excelso, debe mejorar en el apartado de la producción y la composición, pero no cabe duda de que exuda energía positiva por todos sus poros y que la espectacular voz de Laura compensa otras evidentes carencias, así que la fotografía de la portada es una auténtica metáfora visual, un resumen bastante exacto de lo que te vas a encontrar en este álbum.

Natalia M. King - Soulblazz (2014)

"Al césar lo que es del césar" reza la expresión popular. Y es que todo el mérito del descubrimiento de esta pequeña joya recae en mi compañero Rafa -autor del estupendo blog Rock & Soul-, fue él quien me puso tras su pista. Natalia M. King es una neoyorquina de origen dominicano, aunque residente en Francia, también conocida Lady Child. Una de esas artistas íntegras, de raza, que incorpora en sus genes todo el legado de la música negra, toda esa identidad que se advierte tanto en el ritmo como en la pasión de su obra.

Ha necesitado casi una década para romper su silencio desde que se publicara su tercer trabajo Flesh is Speaking (2005). Su último álbum, editado en el sello Jazzvillage, es un rara habilis de la escena actual. Grabado "en vivo" en el estudio, a la vieja usanza, con el que se propone seducirnos con la calidez de los instrumentos -sin artificios electrónicos- y su privilegiada voz. Un sonido primitivo en el que su maravilloso instrumento vocal adquiere todo el protagonismo, evocándonos sonidos y estructuras más propios de la década de los cuarenta o cincuenta. Todo ello, tal y como sugiere el original título del disco, irrigado por la espiritualidad del soul, la intensidad del blues y la estética del jazz, aunque apoyada siempre en ese pasado rockero que no se separa tan fácilmente de ella. Un disco íntimo y hermoso, que mira más hacia dentro que hacia afuera, todo un ejercicio de originalidad, audacia y libertad, valores todos ellos muy escasos en estos días en los que triunfan los cantantes prefabricados. Que nadie pretenda escuchar en este disco melodías pegadizas fáciles de digerir, no es música hecha para el consumo de masas. Natalia se convierte de esta manera en una alternativa más que saludable para nuestros oídos, un soplo de aire fresco que te reconcilia con la esencia, con el verdadero ser de la música. Si buscas autenticidad y emoción sin duda ésta es una opción a tener muy en cuenta.

Eli Paperboy Reed - Nights Like This (2014)

Tengo que confesaros que no se por donde empezar la review de este disco, lo que tengo muy claro es que me pueden las ganas por terminarla ya, quizás lo mejor es que no lo hubiera intentado. "Me lo temía"... ummm si, podría ser un buen comienzo. Y es que hace unas semanas cuando escuché el adelanto de algunos temas del último trabajo del artista nativo de Boston ya se atisbaba lo que estaba perpetrando junto con su colaborador habitual Ryan Sparker y de la mano de su nueva casa discográfica Warner.

Aunque en "Come and Get It" (2010) ya mostraba una cara más comercial que en el magnífico "Roll With You" (2008), sinceramente creo que nadie podía adivinar este desenlace de los acontecimientos. Tras el éxito de su anterior disco y una gira de dos años ha decidido dar una vuelta de tuerca a su personal sonido. "No quiero pasarme el resto de mi vida haciendo el mismo disco. He buscado cambiar sin abandonar lo que sentía, por lo que era lícito que experimentara con estos cambios" afirmaba recientemente en una entrevista. Nada que objetar,  por supuesto que cada artista puede decidir hacer con su carrera lo que estime más oportuno, incluido un cambio radical de estilo. Pero resulta absolutamente decepcionante ese vulgar, mediocre y burdo intento por ganarse al gran público, esas ganas por convertirse en el nuevo Bruno Mars. No es fácilmente digerible que quien sacudiera la escena musical soulera con su voz, estilo y baile se haya dejado embaucar de tal manera por el brillante sonido electrónico (a cambio desaparece la sección de metales) y se haya visto poseído por el espíritu del pop (necesitamos con urgencia un exorcismo). Ojalá te vaya bonito Eli -y si no es así- me gustaría que volvieras al redil soulero porque sinceramente no me hago a la idea de acudir a uno de tus conciertos con semejante mutación, sería pura esquizofrenia para mis oídos que alternaras temas de tu último disco con los anteriores. Si finalmente no es así, y te quedas por otras tierras, gracias por tantos y tan buenos momentos, sabes que en este país tienes muy buenos amigos, fue bonito mientras duró.

Sonny Knight & the Lakers - I'm Still Here (2014)

Conductor de camiones ya jubilado, dada por acabada hace lustros su carrera artística seguro que más bien estaba preparado para no hacer nada en particular el resto de su vida, excepto quizás ejercer su papel como abuelo. Ni siquiera figuraba en el estupendo recopilatorio Twin Cities (2012), que permitió resucitar temas e intérpretes olvidados para la historia, ya referido recientemente en este espacio, aunque él era también uno de esos "soulman" perdidos para la causa cuando abandonara su carrera artística en los años 90, tras tres décadas dedicándose al mundo de la música.

Sin embargo, si fue invitado a participar en una serie de shows organizados para apoyar el lanzamiento del recopilatorio. Sus memorables actuaciones impresionaron lo suficiente a la casa discográfica como para apoyar el lanzamiento de su aventura en torno a su figura. Ahora confiesa que nunca había estado tan ocupado, actuaciones en directo en clubes locales, entrevistas y la grabación de un nuevo disco. Apoyado en The Lakers, una banda creada ex profeso para él, integrada por sólidos músicos de estudio del sello, de otra generación y con la mitad de años que él, acaba de editar I'm Still Here, como no podía ser de otra manera bajo el sello Secret Stash. Así como Daptone o Truth & Soul Records han elevado a los altares del deepfunk/soul a artistas olvidados para la causa como Sharon Jones, Charles Bradley o Lee Fields, el sello de Minneapolis también aspira íntimamente a que Sonny pueda conseguir un impacto similar entre el público, convertirse en una alternativa digna a la dictadura impuesta en los últimos años por esas excelsas figuras en el reino del deepfunk y el soul. Desde luego cualidades vocales no le faltan al bueno de Sonny, pero a diferencia de las estrellas anteriormente citadas que se muestran poco partidarias de salirse del guión marcado por el libro de estilo, Sonny se muestra más abierto y aventurero, dispuesto en definitiva a probar nuevas cosas. A sus 66 años, hoy mismo sale a la venta su disco de debut en solitario, bien podríamos decir aquello de que más vale tarde que nunca. Un gran disco imprescindible para los amantes del género ¿Te lo vas a perder?

Jeff Hershey & The Heartbeats - Soul Music Vol. 1 (2011)

¿Creéis en dios? Yo a ratos si y a ratos no, en los que creo, lo hago a mi manera, you know what I mean, como diria aquel. Mas bien, como cantaban The Almighty, no creo en dios pero creo en el amor, o algo asi. Pero si que creo a pies juntillas y con los ojos cerrados en Sam Cooke, y en Otis Redding. Creo en la palabra proveniente del verbo, cuando habla de pasiones encendidas, de dolor, de sexo y de excitación, cuando el diablo se viste de negro y enseña a los blancos la jodida lección.
Creo en el padre, el hijo y el espìritu santo, cuando le hacen coros a la gran Aretha o a Mavis, y cuando recogen a un arrodillado James Brown. Y comulgo con las escrituras de aquellos predestinados a difundir la palabra del soul a todos los mortales, para que no dejemos de amar ni de ser pecadores, porque en su iglesia, que está hermanada con saliva y sangre con la del rock and roll, está la salvación. Idolatramos a los profetas, y Jeff Hershey es uno de ellos, que ademas viene arropado por sus discipulos, The Hearbeats, para que las palmas y el sudor confirmen la homilia. Abre el libro de "Soul music vol. 1" por el primer versículo, aquel que dice "Don't come around" y empápate, baila y dejate llevar, porque el soul es musica de gente para la gente, la mùsica del sexo. "Way back home" es una delicia que te lleva con tu chic@ agarrado a casa, con ese sonido conseguido de grabar todo en directo y a la vieja usanza, Jeff viene del garage punk, y  rapidamente enlaza con unas guitarras poderosas en "Knock you down", y el pùlpito arde, da igual, el ritmo està metido en el cuerpo y ya nos ha poseido. "Push on through" te susurra al oido, con esa voz calidad y poderosa, y una banda que se convierte en uno solo. ¿Estas aburrido? ¿odias los domigos?, haz caso a Jeff y sus Heartbeats, sube el volumen de tus altavoces, piensa en alguien especial, dejate llevar,  y si no lo hay,  al menos "Stay here at home". Puedes sentirlo, puedes sentir las antiguas leyendas, los viejos sonidos, afina el odio porque el inicio de "Good times" refleja todo lo que esta mùsica significa, que es mucho, ya te lo digo yo.

Jeff Hershey es una autentica gema, todo un prodigio, no solo por que su voz ya vale un imperio, aquel que se construyó bajo la luz de los focos y enamoró a generaciones, también porque el soul fluye por su cuerpo, por su garganta y por supuesto por su alma, si no me crees, encierrate con "Good times", y verás como corres a bautizarte en la pila sacramental que la garganta de Wilson Picket construyera para todos nosotros, amantes, creyentes y pecadores de la vida. "Another day without you" es una auténtica declaración, quien quiere vivir otro dia sin la persona amada, sin los tuyos, sin la mùsica, sin el rock, sin el soul. Prepárate a bailar, porque "Nobody does it (like you)", siente el ritmo obrero, aquel que grito libertad a través del northern soul, aqui no hacen falta donaciones ni sacrificios, solo abrirte a cada palabra, a cada canción. Sabemos bien de lo que hablamos y lo que queremos ser, y una balada es capaz de hacernos sentir y desear todo aquello para lo que estamos preparados, sobre todo cuando alguien te canta "Honesty road" de esta manera, repleta de luz y sentimientos.
 
El evangelio llega hoy a su fin, y no os diré que vayais en paz, os instaré a que volvais a pulsar el play, a que llameis a los colegas, a quien os de la gana, le pongais este  "Wearin' me out" a todo volumen, y promulguéis el mensaje, que extendáis el sonido de la salvación y los bajos instintos, que a fin de cuentas, son la sal de la vida. Jeff Hershey & the Heartbeats se merecen el reino eterno, ese que vive para siempre entre nosotros, en nuestra estanteria de discos y revive cada vez que lo volvemos a meter en el reproductor. Jeff y sus chicos van a visitar nuestro pais, para evangelizarnos en el baile, el sudor y la pasión. Aquí podeis leer las fechas, por si su iglesia itinerante os pilla cerca. Bailad malditos, que nadie se deje llevar por el hastio un domingo, ya sabeis lo que cantaban Burning, otro de los adorados por este hereje politeista, los domingos los hicieron para bailar.

Fantástico post, una delicia comprobar el ingenio con el que escriben otros compañeros.
Autor: Carlos Tizón, 23 de setiembre de 2012
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